Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián de 2004, esta película de Bahman Ghobadi rompe todos los prejuicios que muchos espectadores suelen tener con el cine iraní, recelos basados en la a veces excesiva e infundada predilección de los críticos por cineastas y películas de aquellas latitudes y en una educación cinéfila que en gran parte del público se sustenta únicamente en el modelo hollywoodiense. Sin embargo, Las tortugas también vuelan excede lo que habitualmente puede esperarse del cine iraní y ofrece grandes atractivos para espectadores de cualquier prodecencia.

Además de la cuidada fotografía, los hermosos exteriores y el retrato socio-antropológico de la realidad de las gentes del Kurdistán iraquí, la película cuenta con un guión magníficamente construido y con unas interpretaciones soberbias a cargo de actores en su mayoría sin experiencia para contarnos la historia de una pequeña aldea de las montañas en la que sus habitantes buscan desesperadamente una antena parabólica. ¿Para ver el mundial de fútbol? Ojalá la película se hubiese tenido que ceñir a eso por falta de base real. En realidad la antena es la única forma en que los pacíficos habitantes de aquellas montañas pueden enterarse del próximo ataque norteamericano contra Iraq. Un joven mutilado, acompañado de su hermana y su sobrino, presiente que apenas quedan unos días para el ataque, y así se lo dice a los vecinos.

Cinta escalofriante no tanto por lo que muestra sino porque cuenta con el bagaje posterior de imágenes de crueldad y guerra que los noticiarios han incrustado en la retina del espectador, oscila entre los momentos de comedia, el retrato de vida cotidiana y la tensión creciente ante una incertidumbre que se abre, una perspectiva de cambio que puede traer un futuro mejor y también la ausencia de cualquier tipo de futuro, como así ha sido para más de medio millón de iraquíes y unos pocos miles de militares norteamericanos.

El Festival de Cannes volverá a proyectar como acto de desagravio en su edición de 2008 una decena de películas que no fueron estrenadas en la truncada edición celebrada en mayo de 1968 ante la clausura anticipada del certamen, entre ellas, con presencia del director aragonés Carlos Saura, Peppermint Frappé, proyección durante la cual estalló la protesta en el festival con Truffaut, Godard, Louis Malle y el propio Saura llamando a la interrupción de la proyección desde delante de la pantalla en una histórica y reivindicativa jornada festivalera, en la que un pequeño grupo de artistas logró la clausura de un festival oficialista, burocrático y politizado en solidaridad con las protestas estudiantiles del mayo francés.

El próximo 18 de mayo se cumplen 40 años de tan recordado suceso en el que los cineastas se sumaron al clima generalizado de protesta al considerar una frivolidad continuar como si nada con una muestra de películas mientras el país bullía de tensión, violencia y crispación. En palabras de François Truffaut, uno de los líderes de la protesta “Francia echaba el cierre y, por lo tanto, Cannes también tenía que cerrar. Era lógico (…).”Por primera vez en su historia, esta institución artístico-comercial llamada Festival de Cine fue brutalmente interrumpida por un auténtico ‘grupúsculo’ de realizadores que estimaban que, en plena crisis de Francia, no era muy decente que productores, distribuidores, gacetilleros y estrellitas prosiguieran su desfile soleado”.

Las motivaciones que movían a cada participante en la revuelta eran diversas. Truffaut ansiaba poner en jaque al gobierno, Godard acababa de rodar imágenes de las barricadas parisinas, y el prestigioso Louis Malle, miembro del jurado oficial de aquella edición, acababa de volver de India y comprobar el clima de miseria y desigualdad; él se encargó de dinamitar el jurado arrastrando en su dimisión a otros miembros como Roman Polanski o, la por entonces musa de Antonioni, Monica Vitti.

La edición de 2008 rescatará aquel momento para la historia, como siempre, desde su altar de banalidades, escaparates y oropeles, pero con la conciencia secreta de que, por una vez, gracias a los artistas que durante mucho tiempo condenó, dio una imagen a la altura de su presunta grandeza.

Clásico de culto para los fans del cine de terror, especialmente del de bajo presupuesto, la segunda película de Wes Craven mantiene la apariencia de film cutre, improvisado, paródico, caricaturesco y de insulto a la inteligencia y al buen gusto, aunque contiene lecturas interesantes bajo su fachada de mediocridad y demencia enlatada. Cuenta la historia de una familia que va camino de Los Ángeles que se desvía de ruta a través del desierto del suroeste americano en busca de una mina de plata que una tía les ha dejado en herencia. Ello les hará caer en manos de un grupo de seres extraños, una familia excluida de la sociedad, una panda de mutantes caníbales dirigidos por el padre, un tipo grandullón y patético llamado Júpiter que está ayudado por sus hijos, todos con nombres planetarios.

Más allá de la penosa estética, las interpretaciones de traca, el nulo carisma de los actores y la ausencia del mínimo gusto, la película cuenta con virtudes reales como por ejemplo la mezcla de géneros (terror, road movie, western) el montaje rápido, el uso de la cámara subjetiva, el rodaje de escenas cámara en mano, especialmente las de violencia (fenomenal el asalto a la caravana, la violación de la hija menor y los asesinatos de su hermana y su madre), y lo bien fotografiadas que están las escenas nocturnas, todo lo cual le da un ritmo vertiginoso muy adecuado a la película.

Pero como mucho cine de terror, la película esconde además una lectura más actual y mundana. En el fondo nos está mostrando el enfrentamiento entre dos familias, una de clase media acomodada portadora de valores aceptados y reconocidos y otra de excluidos, de personas fuera de sistema, que representa a los grupos minoritarios del carácter que sean. La película nos habla del choque inevitable entre ambas tendencias y la brutalidad consiguiente que puede desencadenarse, con una simbología que nos advierte claramente de la brutalidad (la crucifixión del padre o el apuñalamiento final) a la que puede conducir una sociedad injusta que establece sus reglas dejando al margen a grupos humanos representativos.

Will Smith toma el relevo del recientemente desaparecido Charlton Heston y encarna a su mismo personaje en esta nueva adaptación a la pantalla por Francis Lawrence de la novela de Richard Matheson que trata de un científico que busca cura para evitar la desaparición de los últimos seres humanos ante un virus, en esta exitosa y taquillera película del pasado año que llega al mercado de DVD en tres ediciones distintas.

La primera de ellas, a la venta por 15,95 euros incluye unos cómics como principal extra. La edición especial, por un importe de 21,95 euros, añade a los cómics un making of y un documental sobre los aspectos técnicos y científicos del problema sobre el que la película gira en torno. Finalmente, el formato Blu-ray, a 28,95 euros, incorpora los extras de ambas ediciones en DVD y además la posibilidad de escoger un final alternativo inédito hasta ahora.

Título: Soy leyenda

Precio edición sencilla un disco: 15,95 euros

Precio edición especial dos discos: 21,95 euros

Precio edición Blu-ray: 28,95 euros

El gran director John Sturges daba la medida de su gran capacidad sobre todo en sus películas “menores”, como ésta de 1958, un western que podría calificarse de típico y convencional pero que adquiere dimensión propia gracias a su bien construido guión y a los matices ambiguos, contradictorios y moralmente difusos que caracterizan al dúo cuyo enfrentamiento es la base del drama. La película cuenta la historia de Wade (Robert Taylor), uno de tantos sheriffs que durante sus años más jóvenes se habían situado al otro lado de la ley, y que tras un último trabajo, el robo de un banco, junto a su antigua banda, decidió dejarlo sin revelar al resto de forajidos dónde había escondido el último botín. Sin embargo, leal con su antiguo camarada Clint (Richard Widmark), lo salva de la horca liberándolo de la prisión donde está encerrado. Clint y su banda no creerán compensada la deuda y acosarán a Wade para que les revele el paradero del dinero del atraco.

Western breve pero muy sólido, construido sobre las dobleces de unos personajes atormentados y contradictorios que actúan no con odio o por venganza sino como única salida a sus respectivas vidas encasilladas y tramposas, la película crece realmente con la llegada al pueblo abandonado donde supuestamente se halla enterrado el botín, un pueblo cercado en mitad de territorio indio en el que la amenaza de ataque es tanta como la de destrucción entre Wade y Clint. Es en esos instantes cuando la pericia de Sturges combina el drama psicológico y la acción con el choque de intereses: dinero, conservar la vida ante los indios, el rencor que ha destruido una antigua amistad…

Película menor en una filmografía repleta de grandes obras para un director injustamente olvidado o menospreciado.

Durante el próximo mes de septiembre va a tener lugar la primera edición del Festival de Cortometrajes Poéticos Latinoamericanos. En el festival, que se celebrará en Nueva York este proximo septiembre, se presentarán películas denominadas “poéticas”, terminología que no se corresponde con ninguno de los géneros cinematográficos establecidos. El filme denominado “poético” es una combinación de imagen expresiva y de sonido, es original y personal, no se corresponde con las reglas de los poemas sino que destaca por la utilización de la belleza y estilo poéticos: lírico, como un sueño, expresa nuevas ideas, evoca emoción, estimula el pensamiento y profundiza en el espíritu.

El Festival de Cortometrajes Poéticos Latinoamericanos está aceptado solicitudes para la participación en su primera edición. Los organizadores pretenden mantenerse al margen de circuitos y por lo tanto apuestan por la celebración de los actos en el Nuyorican Poets Café y en el Centro Cultural Loisiada, lugar donde podrán contemplarse los trabajos a concurso además de un taller para el intercambio de ideas.

Para darse de alta y presentar a concurso cualquier obra encuadrable dentro del llamado “cine poético”, puede visitarse la web oficial del festival.

Peter Bogdanovich, el más cinéfilo de los directores, uno de los más agudos escritores sobre cine, en particular del norteamericano, imbuido hasta el tuétano por él hasta el punto de disolver su propia y prometedora carrera (y quedar reducido a un papel como actor interpretando a un psiquiatra en Los Soprano), ofreció en 1972 una vuelta al espíritu y al viejo estilo de las alocadas comedias de los años 30, 40 y 50, con esta espléndida y divertidísima comedia llena de estupendos gags y equívocos.

La película, insólita, extraña, fuera de época, nada que ver con el cine predominante en los setenta, habla de Howard (Ryan O’Neal actualizando al Cary Grant de La fiera de mi niña), musicólogo algo tímido, retraído y despistado, que acude con su novia a San Francisco a una convención. Allí conoce por accidente, como casi todo en la película, a Judy (Barbra Streisand al estilo de Katharine Hepburn en la misma cinta), una joven excéntrica, exagerada, amante de la vida que no parará de meterle en compromisos y problemas que tendrán el final esperado.

Abundan los golpes de humor y los diálogos rápidos, ácidos e irónicos, y las interpretaciones y la agradable historia permiten disfrutar de un divertimento disparatado del que el espectador termina por sentirse cómplice pese a algunas inverosimilitudes e incongruencias narrativas. Una película amable, una notable distracción de la que merece rescatarse también la música de Artie Butler.

Se lanza en DVD el estupendo retrato de Ridley Scott sobre la figura del mafioso neoyorquino Frank Lucas protagonizado por Denzel Washington y Russell Crowe en una edición doble (especial con caja metálica que contiene dos discos o edición sencilla) que incluye la posibilidad de contemplar la versión extendida de la cinta, de por sí ya larga con sus 157 minutos.

El disco de la edición sencilla, a la venta a partir del 28 de mayo a un precio de 19,95 euros, incluye al igual que la edición especial, la película y los comentarios del director y del guionista Steven Zaillian. En cuanto al segundo disco de la edición especial, se pondrá a la venta como edición limitada y el verdadero extra que merece la pena es un completísimo reportaje al estilo making of que viene acompañado con un documental acerca de las verdaderas vivencias del auténtico Frank Lucas, el rey de la heroína del Harlem neoyorquino de los años setenta, su detención, el proceso judicial y su condena, además de la inclusión de escenas eliminadas.

Sin paliativos puede afirmarse que esta película es la peor jamás participada por el gran Al Pacino, actor que siempre es bienvenido a las carteleras como uno de los pocos bastiones que quedan a las actuaciones sobresalientes y que poco a poco se ha ido perdiendo en productos de tercera clase, a los que ni siquiera esta película de John Avnet (otrora buen profesional en The war o Tomates verdes fritos y que pronto estrenará Righteous kill) merece pertenecer.

Tremendamente poco original en su planteamiento, la necesidad de hallar la identidad de un criminal bajo límite temporal en de forma cuenta atrás (88 minutos) y con amenaza de muerte como penalización, aburre a las ovejas: nada de tensión, nada de emoción, simple retazo de banalidades, lugares comunes y tópicos más propios de serie televisiva que de gran pantalla, y el único reloj interesante para el espectador es el suyo propio para ver cuánto más tiempo debe aguantar tamaña estupidez.

Resulta complicado encontrar una película con ciertas pretensiones de emoción y de intriga en la que tantas cosas se hayan hecho mal, y quizá ese sea un motivo masoquista para verla. El único aporte serio que Avnet intenta aportar (porque el resto, encaja mejor como una parodia involuntaria para tomarse a chacota con un par de tragos encima) es un pseudo alegato o reflexión en torno a la pena de muerte. Y decimos serio, aunque inconcluso, porque el punto de vista escogido no se sabe si es más tibio o indignante, si sirve a quienes la condenan o justifica a quienes la defienden. La película, en suma, une dos aspectos que el cine jamás debería provocar: aburrimiento e indignación hacia la propia película.

Web oficial

Un relato de Stephen King con poco terror sobrenatural pero con muchos fantasmas interiores sirvió a un prometedor Bryan Singer (autor de la tramposa y endeble pero excelente Sospechosos habituales y también, después, de otras cosas no tan grandes) para este efectivo drama psicológico magníficamente interpretado por el gran actor Ian McKellen y el malogrado Bran Renfro. Rodada con mucha solvencia y buen pulso, Singer utiliza adecuadamente los recursos visuales (a través de la paradoja del barrio tranquilo del exterior y el tenso ambiente de confesionario de la casa del anciano) para crear y mantener una tensión que desemboca en una estupenda escena final, y que McKellen, soberbio, contenido, inquietante, y Renfro, inquisitivo y morboso, colaboran en mantener a lo largo de las casi dos horas de metraje.

Todd es un joven que vive en un típico barrio tranquilo de cualquier película americana, anodino, aburrido, donde nunca pasa nada. Sin embargo, descubre por azar que uno de sus vecinos, un entrañable y pacífico anciano, esconde un oscuro pasado relacionado con la Segunda Guerra Mundial, los campos de concentración y las S.S. de Heinrich Himmler. Todd ni piensa en denunciar a su vecino a la policía; en cambio le propone un pacto por el que se asegura un truculento entretenimiento a base de historias de un pasado criminal.

Brillante ejercicio de Singer, una vez más el cine nos muestra lo que puede esconderse tras una fachada de paz, tranquilidad y sosiego, de los turbulentos dramas que encierra la memoria, y mantiene una equidistancia en el estudio psicológico de ambos personajes, por los que el espectador no puede dejar de sentir cierta identificación, por la curiosidad morbosa de Todd, por el sufrimiento del anciano al verse obligado a revivir unas circunstancias terribles mediante el chantaje y la tortura psicológica, y no puede evitar establecer un paralelismo entre ambos, llegando a la conclusión de que no son muy distintos, de que ninguno de ellos es inocente, de que ninguno lo somos.