El gran actor catalán Josep Maria Pou interpreta a Orson Welles en el montaje teatral Su seguro servidor, representado en el Teatro Romea de Barcelona desde el 30 de junio al 27 de julio y dentro de la programación del Festival Grec de teatro. La obra no sitúa al gran actor, director, productor y guionista de Wisconsin en su momento de éxito profesional, joven y lozano como en la foto superior, sino ya con 70 años cumplidos, decadente, decrépito e intentando financiarse un nuevo proyecto, una nueva versión del Quijote (eterno proyecto de Welles nunca completado) trabajando como voz de cuñas publicitarias de dentífricos, comida para perros o incluso laxantes, mientras espera anhelante una llamada de Steven Spielberg para participar en su próxima película.

El título de la obra proviene de la despedida habitual de Welles en las intervenciones radiofónicas (Obediently yours), que el dramaturgo francés afincado en Norteamérica Richard France tomó a partir de una serie de tomas falsas de los trabajos de Welles como idea inicial para escribir la pieza. La adaptación del original corre a cargo del director de cine Esteve Rimbau, que dirige teatro por primera vez, como él mismo ha dicho, “como dirigir una película en la que no hay montaje”.

Para Pou, el personaje de Orson Welles, el hombre que como él mismo dijo, empezó en la cumbre y desde entonces no hizo más que caer, pertenece al club de los “grandes perdedores”. A la vista de su genio y de lo poco que le permitieron plasmarlo en imágenes, quizá Welles haya sido la víctima más importante (y más injusta) del sistema de estudios norteamericano del Hollywood clásico. Ahora, esta obra de teatro repasa desde sus últimos meses los aspectos principales de su vida y obra, sus grandes éxitos y fracasos.

Fuente: El confidencial

Uno de los ejercicios más estériles y absurdos es la confección de listas de “lo mejor de”, esas compilaciones de títulos, autores, intérpretes, géneros o años con las que de vez en cuando nos acogotan para decirnos lo que es bueno o malo, generalmente con criterios puramente subjetivos, si no arbitrarios, y que suelen dejar fuera gran parte de las obras que pretenden categorizar, de forma que, al igual que sucede con los periódicos, lo que no cabe en ellas, simplemente, no está, no existe.

El American Film Institute, especialista en editar cada cierto tiempo una de estas listas con las mejores películas de toda la Historia (o sea, de ciento y poco años), casi en exclusiva cintas de origen norteamericano (con el fenomenal banco de pesca que supone, casi tan maravilloso como lo que se deja fuera), ha vuelto a editar una de esas estúpidas clasficaciones, esta vez consagrando las diez mejores películas de cada género cinematográfico.

Las agraciadas esta vez con la inmortalidad de aparecer en semejante despropósito (como si les hiciera falta) son Centauros del desierto (John Ford, 1956) como mejor western de todos los tiempos, Luces de la ciudad (Charles Chaplin, 1931), como mejor cinta romántica, 2oo1, una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968), como mejor obra de ciencia ficción, Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), como mejor filme épico, El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), como mejor historia de gángsters, Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) vence en la categoría de cine de misterio, Blancanieves (Walt Disney, 1938) en animación y Matar un ruiseñor (Robert Mulligan, 1962) en la de juicios y tribunales. Aparentemente hecha con todo rigor, la lista despierta el más puro y lógico escepticismo cuando vemos que en la categoría de deportes la ganadora ha sido… ¡¡¡ Toro salvaje (Martin Scorsese, 1980) !!!

En resumen, otro ejercicio gratuito, absurdo e innecesario. Porque, por poner un ejemplo, Centauros del desierto tiene forma de western, sí. Pero, ¿acaso no es mucho más que eso?

Tres de las caracterizaciones de Christopher Lee en sus interpretaciones para los clásicos de terror de la Hammer son utilizadas en una nueva serie de sellos emitida con motivo del 50 aniversario de la célebre productora británica. En concreto La Criatura, La momia y El conde Drácula con los rasgos del actor inglés, que acaba de cumplir 86 años, serán los únicos seres “de carne y hueso” inmortalizados en los sellos británicos junto a la Familia Real. Se da la casualidad de que todo quedará en “familia”, puesto que la reina Isabel es nada más y nada menos que descendiente directa de los antiguos soberanos de Transilvania, entre ellos el famoso Vlad Tepes “el Empalador” (que no debía su sobrenombre precisamente a sus hazañas sexuales, sino a su costumbre de empalar sobre enormes estacas a los enemigos, generalmente turcos, vencidos en el campo de batalla), personaje histórico que junto a la condesa húngara Bathory utilizó Bram Stoker para crear al famoso vampiro.

Por otro lado, Lee no ha abandonado en ningún momento su afición por el terror. Desde hace tiempo es una amenaza para los oídos merced a su carrera musical, cuyo último disco, Revelation, es una nueva muestra del horror tan querido al actor inglés, en este caso cercana a la música española, tan querida para él (nótese la aparición del cuadro flamenco de la portada del disco, un horror en sí mismo que advierte del contenido por sí solo), como todo lo español en general (de hecho habla el idioma casi a la perfección). Lee apunta maneras, no obstante, nos parece algo peligroso aguantar un disco entero de sus canciones sin ayuda psicotrópica. Aunque por dignidad en la interpretación, voluntad y calidad supere a la gran mayoría de los presuntos cantantes surgidos de programas de televisión.

Una vez superado su “permiso de maternidad” la recientemente recauchutada Nicole Kidman (obsérvense los perniciosos y neumáticos efectos que sus últimos pasos por el quirófano han dejado en su antaño estilizado rostro, inyectado ahora en pómulos y labios de algo que debe contener en buena medida aceite de uso aeronáutico por lo menos…) podría dar vida a uno de los mitos de la música de los sesenta y setenta: la británica Mary Elizabeth Catherine O’Brien, más conocida por Dusty Springfield, fallecida de cáncer en 1999. La película, centrada en la época de decadencia de la cantante de pop y soul e icono del movimiento mod, relataría los años oscuros de Springfield en Hollywood durante la década de los setenta, entregada a excesos etílicos y estupefacientes, momento en que se hizo bandera de los movimientos de gays y lesbianas al anunciar públicamente su condición de bisexual.

Parece que, de por sí, pero complicándose aún más la tarea por los últimos “retoques” de la actriz hawaiana en su careto facial, el equipo de maquillaje, peluquería y estilismo de este proyecto abordarán un trabajo de Hércules para intentar buscar un parecido físico entre la actriz y la cantante. Al menos, este vídeo de Son of a preacher man, uno de los grandes éxitos de Dusty Springfield (que aparece, por ejemplo, en Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, ilustrando la escena en la que John Travolta-Vincent Vega acude a recoger a Uma Thurman-Mia Wallace), invita al escepticismo.

Entre les murs de Laurent Cantet, reciente ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes, demuestra una vez más que la ficción rara vez nos ofrece paradojas tan redondas como las de la realidad. Porque si la película nos habla de las dificultades de integración de la juventud francesa de segunda generación, de los hijos de inmigrantes llegados a Francia de las antiguas colonias que intentan abrirse paso en un sistema educativo no creado ni concebido para paliar sus déficits ni atender sus necesidades, uno de los jóvenes actores de la película, Boubakar, un joven de 16 años oriundo de Malí, podría ver expulsada a su familia de suelo francés. Su madre, tras la muerte de su esposo francés de origen al haber nacido en Malí antes de su independencia de Francia, carece de documentos para su estancia en el país. En su día evitó su expulsión al haber llegado al encontrarse embarazada, mientras que Boubakar adquirió su nacionalidad por nacimiento en suelo francés. Ahora se reabre el expediente de la situación de la madre, y, aunque el riesgo es mínimo, la posibilidad legal de expulsión existe.

Por otro lado, está el caso de Agam, otro joven actor en la película, de origen congoleño, que tiene en la actualidad 17 años y que se ha salvado de su expulsión por su condición de menor de edad. Sin embargo, cuando cumpla 18, podría ser expedientado y expulsado de Francia, país donde entró clandestinamente con 11 años como inmigrante ilegal.

Al parecer nadie en el rodaje estaba al tanto de estas situaciones, lo que vuelve a demostrar la importancia de una realidad subterránea, camuflada, la de la población “ilegal” que por ejemplo en Francia, con el paro de los “ilegales” del sector de la hostelería ha estado a punto de ocasionar un cataclismo en el negocio de la restauración, de gran importancia en el país.

Fuente: Libération

Atolladero, de Óscar Aibar (1996), es una de las más extrañas rarezas del reciente cine español. Este western futurista ambientado en el oeste norteamericano del año 2048 protagonizado por el improbable combinado formado por Pere Ponce, Joaquín Hinojosa, Iggy Pop y el actor de culto español, fallecido durante el rodaje, Félix Rotaeta, cuenta la historia de un ayudante del sheriff que desea abandonar Atolladero, el pueblo de Texas del que el juez Wedley es prácticamente dueño, y lo hace en el marco desolador, mágico, casi onírico, de un oeste devastado por la era atómica, de forma bastante fiel al estilo del cómic original en que se basó.

Lo delirante del proyecto no fue sólo el reparto, y así lo cuenta el propio director en Making of, el libro donde relata su experiencia al frente de tan exótica filmación, llena de desencantos, problemas, tenacidad, desolación, y un final sorprendente que ha llevado a esta película a convertirse casi en un clásico de culto. Aibar recuerda los momentos más desesperantes, emocionantes y rocambolescos anteriores, coetáneos y posteriores a un rodaje que sin duda fue tan complicado como la descabellada trama de la película.

Libro recomendable, repleto de humor, intencionado o no, en el que Aibar consigue exorcizar una mala experiencia sacando punta a recuerdos de momentos gratos o angustiosos que conforman una narración interesante, amena, inteligente, irónica, ingeniosa, que intercala anécdotas y vivencias personales en unos capítulos breves y con un ritmo muy ágil.

Título: Making of

Autor: Óscar Aibar

Editorial: Mondadori

Precio: 15,90 euros

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El Festival de Cannes volverá a proyectar como acto de desagravio en su edición de 2008 una decena de películas que no fueron estrenadas en la truncada edición celebrada en mayo de 1968 ante la clausura anticipada del certamen, entre ellas, con presencia del director aragonés Carlos Saura, Peppermint Frappé, proyección durante la cual estalló la protesta en el festival con Truffaut, Godard, Louis Malle y el propio Saura llamando a la interrupción de la proyección desde delante de la pantalla en una histórica y reivindicativa jornada festivalera, en la que un pequeño grupo de artistas logró la clausura de un festival oficialista, burocrático y politizado en solidaridad con las protestas estudiantiles del mayo francés.

El próximo 18 de mayo se cumplen 40 años de tan recordado suceso en el que los cineastas se sumaron al clima generalizado de protesta al considerar una frivolidad continuar como si nada con una muestra de películas mientras el país bullía de tensión, violencia y crispación. En palabras de François Truffaut, uno de los líderes de la protesta “Francia echaba el cierre y, por lo tanto, Cannes también tenía que cerrar. Era lógico (…).”Por primera vez en su historia, esta institución artístico-comercial llamada Festival de Cine fue brutalmente interrumpida por un auténtico ‘grupúsculo’ de realizadores que estimaban que, en plena crisis de Francia, no era muy decente que productores, distribuidores, gacetilleros y estrellitas prosiguieran su desfile soleado”.

Las motivaciones que movían a cada participante en la revuelta eran diversas. Truffaut ansiaba poner en jaque al gobierno, Godard acababa de rodar imágenes de las barricadas parisinas, y el prestigioso Louis Malle, miembro del jurado oficial de aquella edición, acababa de volver de India y comprobar el clima de miseria y desigualdad; él se encargó de dinamitar el jurado arrastrando en su dimisión a otros miembros como Roman Polanski o, la por entonces musa de Antonioni, Monica Vitti.

La edición de 2008 rescatará aquel momento para la historia, como siempre, desde su altar de banalidades, escaparates y oropeles, pero con la conciencia secreta de que, por una vez, gracias a los artistas que durante mucho tiempo condenó, dio una imagen a la altura de su presunta grandeza.

A finales del próximo mes de junio tendrá lugar el estreno del esperadísimo (y esforzadísimo) debut en el largometraje del director cántabro Nacho Vigalondo, tras exitosos trabajos en el mundo de los cortos como Choque o el célebre 7:35 de la mañana, con el que a punto estuvo de obtener el Oscar de Hollywood.

La película, que cuenta la historia de un hombre que viaja en el tiempo para encontrarse consigo mismo deambulando por una atmósfera onírica e inquietante poblada de extraños personajes, cuenta en su web oficial con un juego con el que los fans del director pueden ir abriendo boca. El juego viene planteado por un blog ficticio en el que Marta, una joven despedida de la empresa en la que trabajaba, a través de acertijos, comentarios, enigmas y pistas, invita a investigar las extrañas actividades de la empresa, que al parecer, a través de una tecnología secreta de su invención, ha provocado una corriente de fenómenos paranormales.

Sin duda hay que reconocer que los productores no paran de descubrir nuevas formas de poner sus productos en el mercado, de publicitarlos y crear cierta expectación en torno a ellos. Esta, al menos, es una forma entretenida, curiosa y casi adictiva de entretenerse y dejarse seducir por el próximo largometraje de Vigalondo, cuyo remake norteamericano ya está proyectado incluso antes de su estreno, con Tom Cruise entre bambalinas.

En tiempos recientes se ha extendido la tendencia de contar en las campañas publicitarias con la imagen de actores o actrices ya fallecidos o retirados o en el crepúsculo de sus carreras, si no directamente con escenas manipuladas de películas en las que se incluye digitalmente tal o cual artículo de consumo. No hace demasiado tiempo, una importante empresa de automoción utilizó fragmentos de la famosa persecución de Bullit (Peter Yates, 1968) protagonizada por el gran Steve McQueen y también la célebre banda sonora del argentino Lalo Schiffrin para una campaña a nivel mundial de promoción de uno de sus modelos.

Actualmente, los herederos del actor han iniciado gestiones en un Tribunal Federal del Estado de Nueva York para impedir al grupo multinacional Belstaff, implantado en Estados Unidos y en Italia, la utilización de la imagen y el nombre de Steve McQueen en sus campañas publicitarias.

La fabricante de ropa estaría utilizando presuntamente de forma indebida el nombre del actor estadounidense para la comercialización de prendas de vestir que habrían incorporado su nombre o su imagen en los diseños, así como en otros complementos de vestir tales como zapatos, gorras y sombreros, gafas o relojes. La familia del actor alega, sin embargo, que tales usos se están produciendo sin haber recabado la pertinente autorización de parte de Chadwick McQueen, hijo del actor, y de los herederos de su otra hija, Terry, que murió en 1998, y por lo tanto han instado el cese de la campaña y la comercialización de los productos además del pago de una indemnización en concepto de resarcimiento por daños morales.

My name is Hanks… Tom Hanks.

Parece que ya están moviéndole el sillón a Daniel Craig como agente 007 con licencia para matar y que Quantum of Solace será su última aparición como James Bond. En realidad, todo forma parte de una gigantesca broma que está teniendo fortuna en internet. Un montaje que utiliza imágenes de cintas clásicas de James Bond mezcladas con fotogramas pertenecientes a reconocibles películas protagonizadas por Tom Hanks está haciendo furor en la red. En cualquier caso, por lo que parece, viendo la escasa prestancia del actor americano para las cosas de la acción y la violencia, Daniel Craig puede estar de momento muy tranquilo caracterizando al agente británico, papel en el que le auguramos muchos éxitos.