Es uno de los más prolíficos y reconocidos guionistas del cine norteamericano, además de director de cine, escritor de novelas, ensayos y teatro (doble ganador del premio Pulitzer, una de ellas por su magnífica y extraña obra Glenngarry Glenn Ross, llevada años más tarde al cine por James Foley con guión del propio Mamet). Como guionista ha escrito grandes éxitos recientes como el remake, incluida la escena en la mesa de la cocina entre Jack Nicholson y Jessica Lange, de El cartero siempre llama dos veces (1981), la espléndida Veredicto final (1982), Los intocables de Elliot Ness (1987), Nunca fuimos ángeles (1989), Glenngarry Glenn Ross y Hoffa (1992), Vania en la calle 42 (1994), American Buffalo (1996), El desafío y Cortina de humo (1997), Ronin (1998) o Hannibal (2001). Además, siempre escribe los proyectos que dirige, que invariablemente cuentan con textos soberbios: Casa de juegos (1987), Las cosas cambian (1988), El monstruo (1989), Homicidio (1991), Oleanna (1994), El caso Winslow (1999), State and Main (2000) o El último golpe (Heist) (2001).

Sus trabajos están caracterizados por la atención al lado oscuro de las personas y la convivencia, las apariencias y los conflictos y choques entre las ambiciones y sueños personales, a veces desde la cruda deshumanización (Glenngarry Glenn Ross, American Buffalo) y la crítica al sistema (El caso Winslow, Homicidio), y otras desde la comedia amable (State and Main) o el mejor thriller (Heist). Sus películas, minuciosas en la construcción de personajes sólidos, humanos, creíbles, naturales, en poderosas escenas, y en guiones redondos, de gran complejidad, con diálogos ágiles, ácidos, vertiginosos, que combinan dureza, humor, amargura, escepticismo y crítica, y que suelen esconder trampas, engaños, personajes que dicen ser lo que no son, que se disfrazan, que se ocultan a las indiscretas miradas de los demás como protección, nunca defraudan. Mamet es seguro de historias interesantes, reflexión, complejidad, agudeza, paradojas, y crítica al poder del Hombre para mentirse a sí mismo.

El cineasta zaragozano José Luis Borau ha sido elegido para ocupar el sillón B de la Real Academia Española de la Lengua, nada menos que para cubrir la vacante surgida tras la muerte del gran Fernando Fernán-Gómez y en lo que es continuación de la justa costumbre de guardar cabida entre quienes velan por la lengua de Cervantes a los escritores de cine, un ejercicio de creación literaria tan válido y meritorio como cualquiera de los establecidos.

Borau recordaba estos días la primera vez que, siendo presidente de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de España, acudió junto a Luis G. Berlanga, presidente honorario, a la RAE para entrevistarse con su entonces presidente, otro aragonés, Fernando Lázaro Carreter, y plantearle la necesidad de que el mundo del cine estuviera representado entre los académicos. El dirigente de la RAE se mostró de acuerdo, e incluso citó dos nombres que ya figuraban en sus planes: Fernando Fernán-Gómez y, para su conmoción, el propio Luis G. Berlanga, que casi rozó el patatús. A éstos añadieron un tercer nombre, nada menos que Rafael Azcona. A la salida, Berlanga pidió a Borau que se lo comunicara él a Azcona, pese a la complicidad y al trabajo que durante muchos años y películas han compartido. Berlanga se sentía incómodo y temía que el tema pudiera afectar a su relación con Azcona porque estaba seguro de que el guionista rechazaría siquiera la mera mención del asunto, como así fue cuando Borau le habló en una comida de la posibilidad de ser académico.

De Borau hay tantas cosas que decir, que quien escribe esbozó algunas en este artículo. Sin duda, un sustituto a la altura del genio Fernán-Gómez, y apropiadísimo para un sillón B. Con B de Borau.

Pedro Almodóvar se lanza al mundo de los blogs abriendo su propio espacio de encuentro y reflexión en una página muy completa que además sirve como un buen banco de datos sobre el creador manchego.El blog, de estética almodovariana claramente reconocible, contiene información, fotografías y un espacio para vídeos (aunque aún no activo), y además contiene datos sobre Los abrazos rotos, el nuevo proyecto de Almodóvar que él define como una “historia de amor loco” y para el que cuenta de nuevo con Penélope Cruz, Blanca Portillo y Lluís Homar, y con un actor de la talla de José Luis Gómez, y que al menos pretende ser una “película de personajes”. El blog incluye también fotografías de la producción.

Una gran noticia para los fans del director, que ya cuentan con un espacio donde obtener información exhaustiva sobre su carrera y nuevos proyectos. Imprescindible darse una vuelta por su espacio en la red.

http://www.pedroalmodovar.es/

El ‘caso Friedkin’ es uno de los auges y desplomes más extraños de la Historia del cine. Surgido prácticamente de la nada, de un éxito entre la crítica con Los chicos de la banda (The boys in the band, 1970), obtuvo todos los Oscar principales (película, director, guión, actor) por su siguiente película, la extraordinaria French Connection (Contra el imperio de la droga, 1971), y se inmortalizó para los restos con su tercera obra, El exorcista, mítico film de terror. A partir de ahí, cuatro años hasta el rodaje de su siguiente proyecto, Carga maldita (remake de la obra maestra El salario del miedo, de Clouzot), y desde entonces más remakes (como 12 Hombres sin piedad, el clásico de Lumet protagonizado por Henry Fonda, filmado de nuevo con Jack Lemmon), thrillers de acción (entre ellos La presa, de 2003, Reglas de compromiso, de 2000), algunas incursiones desastrosas en la comedia (El contrato del siglo, de 1983) y vanos intentos de profundizar en el thriller erótico, la senda abierta por Paul Verhoeven y su Instinto básico con Jade (1995).

¿Qué pudo pasarle a este hombre? Su cine, incluso sus peores thrillers (dejemos aparte sus intentos en la comedia), no carece de interés, con momentos notables, logrados, aunque sean tópicos o manidos, y siempre consigue acompañarse de repartos impresionantes (gente como Al Pacino, Gene Hackman, Fernando Rey, Roy Scheider, Gena Rowlands, Jack Lemmon, Francisco Rabal, Peter Falk, Sigourney Weaver, Willem Dafoe, Tommy Lee Jones, Nick Nolte…). Sus tres primeras obras son extraordinarias, y por tanto no podemos hablar de que sonara la flauta por casualidad. Es decir, que el tipo sabe lo que es el cine y sabe hacerlo bien. ¿Le afectó acaso su breve matrimonio con Jeanne Moreau? ¿Perdió la mano? Se admiten hipótesis.

El escritor y cineasta británico Anthony Minghella, ganador de un Oscar por El paciente inglés, ha muerto a los 54 años de edad. Creador de una obra breve pero densa, que incluye también la dirección de óperas, nació el 6 de enero de 1954 en la Isla de Wight (sur de Inglaterra), murió en un hospital de Londres. Minghella, que fue operado de un tumor la semana pasada, sufrió una hemorragia que le causó la muerte.

De madre escocesa y padre italiano que vendían helados en la pequeña isla de Wight, Minghella empezó escribiendo guiones para radio y televisión y debutó en el cine en los años 90, cuando dirigió Truly, madly, deeply, que fue un éxito de taquilla y conquistó en 1991 un premio de la Academia Británica de Cine (BAFTA).

El cineasta, que hasta su muerte presidía el Instituto de Filme Británico, dirigió otros grandes éxitos de taquilla como El talento de Mr. Ripley, con Matt Damon, Gwyneth Paltrow y Jude Law. Por el guión de ese filme, basado en la obra de la escritora estadounidense Patricia Highsmith, Minghella fue nominado para un Oscar en 1999. En 2003 dirigió Cold Mountain, que transcurre en la Guerra de Secesión de Estados Unidos, con Jude Law, Nicole Kidman y Renee Zellweger, quien ganó un Oscar como mejor actriz de reparto por esa cinta.

Minghella también dirigió la ópera Madame Butterfly, que presentó en el 2005 en el emblemático Coliseo de Londres.

Los filmes de Minghella -como El paciente inglés, que en total recibió nueve Oscars en 1997- sabían contar una historia con lirismo y nostalgia, a través de hermosas y poéticas imágenes. Minghella, enamorado del cine desde que vio de joven las películas de David Lean, cuyo estilo tanto le influyó, se va habiéndose considerado siempre un escritor que rodaba películas, y con su Oscar como mejor director en su mesita de noche.

¿Escritor que hace cine, cineasta que regresa a la Literatura? De cuando en cuando hay mariposas que se niegan a dejarse clavar en el cartón de las bibliografías y los catálogos, de cuando en cuando, también hay lectores o espectadores que siguen prefiriendo las mariposas que viven a las que duermen su triste sueño en las cajas de cristal.

Palabras de Julio Cortázar que definen la extraordinaria personalidad y obra de este atípico escritor, periodista, director teatral, traductor, realizador televisivo, cineasta, e incluso, en su tiempo, redactor de informes sobre futbolistas para el Internazionale de Milán. Con una obra literaria y cinematográfica tan personal, alejada de lo comercial pero con una audiencia pequeña pero fiel y gran reconocimiento por la crítica, Suárez alterna adaptaciones televisivas de obras literarias con la escritura de guiones, la publicación periodística y literaria, y la traslación de su personal visión de la Literatura y del ser humano a un cine a medio camino entre lo puramente literario y lo onírico, permitiéndose en ocasiones retratar sus pasiones más mundanas, como el fútbol.

En su carrera cinematográfica se dan la mano Robert Louis Stevenson, Lord Byron, el mito de Don Juan, Frankenstein, Stefan Zweig con Orson Welles, Fritz Lang o Sam Peckinpah, en una obra que, quizá no siendo apta para todos los públicos, entremezcla los misterios de la creación literaria o cinematográfica con el misterio profundo de la vida y del destino, siempre con una mirada profunda, atenta, reposada y culta, y con una estética depurada, clásica, poética, bellísima, que ha dado filmes imprescindibles como Remando al viento (1987), Epílogo (1984) o rarezas maravillosas como Don Juan en los infiernos (1991), El detective y la muerte (1994) o Mi nombre es sombra (1996).

Nacido en un campo de refugiados en Francia, hijo de una pareja huida de Hungría con la invasión soviética de 1956, Frank Darabont es uno de los cineastas del actual Hollywood más imbuidos por el espíritu del cine clásico norteamericano.

Decidido a dedicarse al arte cinematográfico, en 1983 rueda su primer corto, Dollar baby, según un relato de Stephen King, quien, encantado con el resultado, le cede los derechos sobre otra de sus obras alejada de su habitual temática sobrenatural, Rita Hayworth and the Shawshank redemption. Tras algunos trabajos para televisión y la escritura de guiones para mediocres cintas de terror adolescente, en 1994 filma Cadena perpetua (The Shawshank redemption), considerada como una obra básica del cine norteamericano de los noventa e incluida instantáneamente en algunas de las listas de mejores películas de todos los tiempos. Cinco años después intenta repetir fórmula y vuelve a adaptar a Stephen King en La milla verde (The green mile). En 2001 escribe, dirige y produce The majestic, cinta sobre un guionista amenazado por el maccarthysmo que pierde la memoria en un accidente de coche, aunque no obtiene la misma calidad ni tanta repercusión.

Su cine se caracteriza por una cuidada producción, una minuciosa escenografía y un gusto por las historias que le permiten conservar la forma de narrar y la estética del cine clásico de las décadas de los treinta, cuarenta y cincuenta. En 2007, no obstante, ha superado sus preferencias estéticas y temáticas y ha adaptado una historia fantástica, de nuevo de Stephen King, La niebla (The mist), con la que vuelve a sus raíces como autor de cintas de terror de serie B.