En un momento de Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino, Michael Madsen le dice a Harvey Keitel: “apuesto a que eres fan de Lee Marvin… Me encanta ese tío”. Lee Marvin es uno de los grandes tipos duros del cine, imagen del villano perverso, fuerte, de personalidad compleja alejada de los caricaturescos retratos habituales, brutal y violento, y también del héroe íntegro, voluntarioso, capaz, competente, digno y determinado de “el fin justifica los medios”, sin dejar de poseer una vis cómica muy desaprovechada que sacaba lo mejor de él y que, continuando en la línea de los detectives duros, cínicos e irónicos encarnados por Humphrey Bogart, o en versión ligera y refinada, William Powell, avanzaría ya la llegada del tipo duro positivo setentero lacónico, irónico y violento modelo Clint Eastwood-Harry Callahan.

Nacido en Nueva York en 1924 hijo de un ejecutivo publicitario y una periodista especializada en moda, hizo gala muy pronto de esa vena díscola con la que dio vida a algunos de sus personajes de malvado siendo expulsado de varios colegios a causa de su mal comportamiento. Como en tantos otros casos, fue el ejército el que encauzó el carácter rebelde del joven, y herido de guerra en 1944 en el frente del Pacífico (herida que le dejó secuelas permanentes en la espalda), se dedicó a los oficios más variopintos, entre ellos el de fontanero, forma un tanto exótica de entrar en contacto con el teatro, a través de una reparación de urgencia en el Teatro Municipal de Woodstock. Consumido por la vocación artística, interpretó pequeños papeles en el teatro y la televisión, llegando incluso a aparecer en algunos montajes de Broadway. Viendo que su carrera no terminaba de despegar, apostó por Hollywood, y allí empezó a dar vida a esos personajes oscuros, violentos pero carismáticos que sin ser protagonistas, daban cuerpo y personalidad a las películas donde aparecían (Duel at Silver Creek, 1952, Semínola, 1953, The big heat, con Fritz Lang, 1953, El motín del Caine, 1954, Conspiración de silencio, de John Sturges, 1955). Tras su papel para John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance (1962) se produce un salto cualitativo en su carrera. Sus papeles no varían demasiado, pero sí su dimensión dentro de cada película. Con Código del hampa (Don Siegel, 1964, revisión de Los forajidos de Robert Siodmak, basado en Los asesinos, el relato de Hemingway), Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965, western cómico junto a Jane Fonda en el que interpretaba un doble papel de héroe borracho y pistolero malvado que le valió el Oscar), Los Profesionales (Richard Brooks, 1966), Los doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), A quemarropa (John Boorman, 1967), Infierno en el Pacífico (John Boorman, 1968), La leyenda de la ciudad sin nombre (Joshua Logan, 1969) o Monte Walsh (William Fuest, 1970) se consagró como el mejor tipo duro del cine y se ganó por derecho propio un lugar entre los más grandes actores del cine de acción.

Tras este periodo de reconocimiento a su trabajo, llegó durante los años setenta la decadencia y el encasillamiento en productos del mismo género pero de cada vez menor nivel, con ocasionales destellos, como Gorky Park (Michael Apted, 1983). Falleció de un repentino ataque al corazón en 1987. Su último tabajo fue junto a Chuck Norris en la película de comandos Delta Force.

El gran actor catalán Josep Maria Pou interpreta a Orson Welles en el montaje teatral Su seguro servidor, representado en el Teatro Romea de Barcelona desde el 30 de junio al 27 de julio y dentro de la programación del Festival Grec de teatro. La obra no sitúa al gran actor, director, productor y guionista de Wisconsin en su momento de éxito profesional, joven y lozano como en la foto superior, sino ya con 70 años cumplidos, decadente, decrépito e intentando financiarse un nuevo proyecto, una nueva versión del Quijote (eterno proyecto de Welles nunca completado) trabajando como voz de cuñas publicitarias de dentífricos, comida para perros o incluso laxantes, mientras espera anhelante una llamada de Steven Spielberg para participar en su próxima película.

El título de la obra proviene de la despedida habitual de Welles en las intervenciones radiofónicas (Obediently yours), que el dramaturgo francés afincado en Norteamérica Richard France tomó a partir de una serie de tomas falsas de los trabajos de Welles como idea inicial para escribir la pieza. La adaptación del original corre a cargo del director de cine Esteve Rimbau, que dirige teatro por primera vez, como él mismo ha dicho, “como dirigir una película en la que no hay montaje”.

Para Pou, el personaje de Orson Welles, el hombre que como él mismo dijo, empezó en la cumbre y desde entonces no hizo más que caer, pertenece al club de los “grandes perdedores”. A la vista de su genio y de lo poco que le permitieron plasmarlo en imágenes, quizá Welles haya sido la víctima más importante (y más injusta) del sistema de estudios norteamericano del Hollywood clásico. Ahora, esta obra de teatro repasa desde sus últimos meses los aspectos principales de su vida y obra, sus grandes éxitos y fracasos.

Fuente: El confidencial

Mientras Mel Gibson sigue adelante con la pre-producción de su biopic sobre el explorador y conquistador español Vasco Núñez de Balboa, primer europeo en contemplar el océano Pacífico y primer fundador de un establecimiento permanente europeo en el continente americano, remota continuación no declarada como tal de la idea subyacente en origen de su anterior proyecto como director, la polémica Apocaypto, el actor, director y productor norteamericano (que no australiano, aunque fuera en ese país donde se iniciara en el cine) va a volver a actuar ante las cámaras en un nuevo thriller compuesto de intriga, violencia y acción, género tan querido para Gibson.

La película, titulada The edge of darkness, gira en torno a la investigación que lleva a cabo un policía (Gibson) que, investigando la muerte de su hija, destapará un insólito caso de corrupción, una trama, a priori bastante parecida a un thriller de andar por casa muy notable, La caja 507, cinta de Enrique Urbizu en la que Antonio Resines era un empleado de banca que se encontraba en una tesitura bastante parecida.

The edge of darkness será dirigida por el veterano cineasta británico Martin Campbell, fogueado convenientemente en la saga de James Bond (GoldenEye, Casino Royale) y con películas a cuestas como La máscara del Zorro, Límite vertical o La leyenda del Zorro, y con un guión escrito a partir de una serie de televisión dirigida por el propio Campbell para la BBC en 1985.

Como muchos otros actores ingleses, Alan Rickman posee una formación teatral envidiable (además es director de la Royal Academy of Dramatic Art) y está especializado en el repertorio de Shakespeare, aunque la mayor parte del público lo conozca sólo por ser uno de los habituales en la saga Harry Potter. De origen muy humilde y siendo muy discreto en su vida personal (lleva viviendo treinta años con la misma mujer, sin estar casados), su currículum profesional es heterogéneo, largo y de calidad contrastada, salpicando sus interpretaciones en el teatro con cine de autor y con películas comerciales.

Tras dos décadas en el teatro, debutó en el cine con La jungla de cristal (1989), de John McTiernan, en lo que fue su desembarco en el cine más popular, senda continuada después con cintas como Harry Potter, Robin Hood (como sheriff de Nottingham, papel que le valió un premio BAFTA), con varias comedias ligeras (Héroes fuera de órbita, Love Actually, Éxito por los pelos), todo ello combinado con la interpretación en cine más personal, como en Sentido y sensibilidad (Ang Lee, 1995), Ciudadano Bob Roberts (Tim Robbins, 1992), Michael Collins (Neil Jordan, 1996), Dogma (Kevin Smith, 1999), El perfume (Tom Tykwer,2006) o Sweeny Todd (Tim Burton, 2008). Además, en 1997 dirigió y protagonizó su único proyecto tras la cámara, El invitado de invierno.

Rickman posee un gran dominio de la escena, maneja a la perfección los recursos de su voz (mejor ver sus películas en versión original, el doblaje resta credibilidad y perfección a sus creaciones) y posee un físico y un carisma que lo convierten en un actor apto para una gran diversidad de papeles, encontrándose en su salsa en terrenos como la ironía, el sarcasmo o incluso la amargura más despiadada.

El cine moderno con su idolatría por el thriller y el cine acción condena en ocasiones a actores más que solventes a ceñirse a personajes planos, sin matices ni recovecos, que limitan casi totalmente sus posibilidades dramáticas, o bien como desahogo les obligan a participar en comedias para encefalogramas planos en las que los personajes oscilan entre lo patoso y el mal gusto, con muy pocas excepciones. Es el caso de Sean Bean, actor inglés encasillado en personajes de villano duro en oposición al héroe de la película, un profesional formado en la Royal Academy of Dramatic Art británica y que prácticamente interpreta siempre a mercenarios, asesinos, agentes secretos o tipos duros.

Tras varios pequeños papeles en películas británicas desde 1984, su rostro se hizo popular gracias a su papel antagonista de Harrison Ford en Juego de patriotas (Philip Noyce, 1992) y sobre todo por ser el malvado y traidor agente británico de Goldeneye (Martin Campbell, 1995), frente a Pierce Brosnan. Ronin (1998), de John Frankenheimer, y sobre todo El Señor de los Anillos – La comunidad del anillo (Peter Jackson, 2001), además de La isla (Michael Bay, 2005), junto a Ewan McGregor y Scarlett Johansson, son sus otros papeles más recordados, junto a bodrios como Troya de Wolfgang Petersen o La búsqueda de John Turteltaub, ambas de 2004. Pocas son las ocasiones que Bean ha tenido para demostrar su mejor vena dramática. Entre ellas destaca sobre todo Ana Karenina (Bernard Rose, 1996).

Sin duda, Sean Bean es un actor con mayores capacidades artísticas que las que le han permitido demostrar hasta hoy quizá a causa de su físico curtido en múltiples oficios (desde soldador hasta repartidor a domicilio, pasando por mozo de supermercado) y practicando el boxeo. Su gran papel está por llegar.

Este estupendo actor catalán quizá sea el mayor y mejor exponente de la calidad interpretativa de la profesión en el ámbito español. Eduard Fernández combina trabajos en teatro, cine y televisión, manteniendo siempre alto el listón del nivel de calidad. Su naturalidad y sencillez expresiva, la riqueza de matices que incorpora a sus personajes, el gesto duro o la mirada gélida o divertida, penetrante o cálida, según el caso, sin duda le confieren una amplia gama de registros en los que cabe el drama, el thriller o la comedia. Descubierto para el cine por Mariano Barroso, su papel en el estupendo thriller Los lobos de Washington apuntaba ya su gran versatilidad como actor.Tras trabajar con Gonzalo Suárez (El portero) y Emilio Martínez Lázaro (La voz de su amo, donde interpreta a un atormentado guardaespaldas), su consagración vino de la mano de La fura dels baus y la magnífica Fausto 5.0, por la que recibió un Goya a su interpretación de un estrafalario Mefistófeles. Posteriormente ha trabajado con Vicente Aranda (Son de mar), Mario Camus (La playa de los galgos), y con Roger Gual y Julio Wallovitz en la estupenda Smoking room, donde da vida a un empleado que buscaba apoyos para que su empresa habilitara una sala para el cigarrito del descanso laboral. El misterio Galíndez, de Gerardo Herrero, o la estupenda En la ciudad, de Cesc Gay dan nuevas muestras de su capacidad para interiorizar personajes de muy distinto signo y darles vida con total naturalidad y frescura.

En Cosas que hacen que la vida valga la pena, de Manuel Gómez Pereira, se metió de lleno en la comedia y salvaba con su personaje una película que hubiera sido mediocre, y en Hormigas en la boca volvía al thriller de nuevo a las órdenes de Barroso. En Obaba, de Montxo Armendáriz ofrecía un papel dramático magistral, y en El método, de Marcelo Piñeyro daba un verdadero recital. Eduard Fernández también forma parte del amplio y variopinto elenco de la épica Alatriste, de Agustín Díaz Yanes. Ficción, de nuevo con Cesc Gay, y 3 días, que acaba de ganar en el Festival de Málaga, son sus últimas apariciones en la pantalla.

Sin duda, un actor que se está forjando una carrera plena de aciertos gracias a la que para los directores y productores contar con él en un proyecto se ha convertido en un seguro de calidad y para el espectador en un motivo de visionado de cualquier trabajo en el que participe.

En tiempos recientes se ha extendido la tendencia de contar en las campañas publicitarias con la imagen de actores o actrices ya fallecidos o retirados o en el crepúsculo de sus carreras, si no directamente con escenas manipuladas de películas en las que se incluye digitalmente tal o cual artículo de consumo. No hace demasiado tiempo, una importante empresa de automoción utilizó fragmentos de la famosa persecución de Bullit (Peter Yates, 1968) protagonizada por el gran Steve McQueen y también la célebre banda sonora del argentino Lalo Schiffrin para una campaña a nivel mundial de promoción de uno de sus modelos.

Actualmente, los herederos del actor han iniciado gestiones en un Tribunal Federal del Estado de Nueva York para impedir al grupo multinacional Belstaff, implantado en Estados Unidos y en Italia, la utilización de la imagen y el nombre de Steve McQueen en sus campañas publicitarias.

La fabricante de ropa estaría utilizando presuntamente de forma indebida el nombre del actor estadounidense para la comercialización de prendas de vestir que habrían incorporado su nombre o su imagen en los diseños, así como en otros complementos de vestir tales como zapatos, gorras y sombreros, gafas o relojes. La familia del actor alega, sin embargo, que tales usos se están produciendo sin haber recabado la pertinente autorización de parte de Chadwick McQueen, hijo del actor, y de los herederos de su otra hija, Terry, que murió en 1998, y por lo tanto han instado el cese de la campaña y la comercialización de los productos además del pago de una indemnización en concepto de resarcimiento por daños morales.

Daniel Wroughton Craig, quizá el alter ego de James Bond más ajustado al perfil viril, corpulento y rudo que Ian Fleming retrata en las novelas, nació en Cheshire (Inglaterra) el 2 de marzo de 1968. Hijo de comerciante y profesora de arte, su divorcio le apartó del negocio familiar y le inclinó al campo artístico, interesándose pronto por la actuación gracias a la afición de su madre al teatro. Mal estudiante, a los 16 años dejó los libros para abrirse camino como actor, ingresando en el National Youth Theatre, teniendo que desempeñar, pese a sus papeles relevantes en obras clásicas, diversos oficios para sobrevivir. Finalmente logró plaza en la Guildhall School of Music and Drama at the Barbican junto a otros rostros conocidos como Ewan McGregor o Joseph Fiennes.

Graduado en 1991, comenzó su carrera en la serie de televisión Las aventuras del joven Indiana Jones, y tras varias apariciones breves tuvo un pequeño papel en Elizabeth (1998). Desde entonces su rostro comienza a hacerse popular en papeles secundarios siempre beneficiados de su particular físico y especial carisma (incluso en la pésima Tomb raider). Road to perdition (2002) y Munich (2005) lo convierten en un complemento de lujo.

Escogido con polémica para encarnar a James Bond en la “oficialización” del clásico Casino Royale (2006), el magnífico resultado logrado en la caracterización humana y natural del Bond de las novelas, alejada de la sofisticación impropia y más cercana al Cary Grant de Con la muerte en los talones tan típica de la saga Bond, promete dejar huella como agente 007. Sus papeles en la decepcionante La invasión y en La brújula dorada, ambas rodadas en 2007 con Nicole Kidman, y su repetición como Bond en la próxima entrega, Quantum of Solace, cuyo estreno está previsto para noviembre de 2008, van camino de consagrarle dentro del star-system.