Acostumbrados a las listas y rankings de actores y actrices de corte hollywoodiense, estamos demasiado acostumbrados a que el baremo de medida para establecer las diferentes escalas tenga que ver con datos superfluos como la belleza, la fortuna personal, el caché por rodaje o la recaudación de las películas en las que se ha intervenido. Rara vez en estas escalas se valora el talento, caso en el que probablemente quedarían reducidas a la mínima expresión o con enormes variantes, pero con toda seguridad Michelle Pfeiffer aparecería en sus fenomenales 50 años en cualquiera de estas listas por sus distintos y variados méritos.

Tras el poco prometedor inicio en Grease 2, dio al año siguiente el gran salto de calidad junto a De Palma y Al Pacino en Scarface (1983), y a partir de ahí ha encadenado trabajos como Lady Halcón (1985), Casada con todos, Conexión Tequila o Las amistades peligrosas (1988), ésta dirigida por Stephen Frears, La casa Rusia (1990), Frankie & Johnnie (1991), Batman vuelve (1992), La edad de la inocencia, a las órdenes de Scorsese (1993), Mentes peligrosas (1995), Heredarás la tierra (1997), El sueño de una noche de verano (1999), Yo soy Sam (2001) o Stardust (2007).

Uno de sus más recordados papeles es el de Susie Diamond para Los fabulosos Baker Boys (Steven Kloves, 1989), donde hacía sus pinitos en la canción de una manera muy solvente junto a los hermanos Bridges (Beau y Jeff), personaje que le valió un Globo de Oro y la nominación al Oscar como actriz principal (ya fue nominada como actriz de reparto por Las amistades peligrosas).

Pfeiffer huye de la exposición pública de su vida privada y suele mostrarse contraria al escaparatismo de la fama. Partiendo de un físico muy especial ha sabido superar las limitaciones que suelen derivarse de esta circunstancia con un talento superior al de las barbies que Hollywood escupe continuamente en su ansia de hallar una nueva Marilyn.

Sin paliativos puede afirmarse que esta película es la peor jamás participada por el gran Al Pacino, actor que siempre es bienvenido a las carteleras como uno de los pocos bastiones que quedan a las actuaciones sobresalientes y que poco a poco se ha ido perdiendo en productos de tercera clase, a los que ni siquiera esta película de John Avnet (otrora buen profesional en The war o Tomates verdes fritos y que pronto estrenará Righteous kill) merece pertenecer.

Tremendamente poco original en su planteamiento, la necesidad de hallar la identidad de un criminal bajo límite temporal en de forma cuenta atrás (88 minutos) y con amenaza de muerte como penalización, aburre a las ovejas: nada de tensión, nada de emoción, simple retazo de banalidades, lugares comunes y tópicos más propios de serie televisiva que de gran pantalla, y el único reloj interesante para el espectador es el suyo propio para ver cuánto más tiempo debe aguantar tamaña estupidez.

Resulta complicado encontrar una película con ciertas pretensiones de emoción y de intriga en la que tantas cosas se hayan hecho mal, y quizá ese sea un motivo masoquista para verla. El único aporte serio que Avnet intenta aportar (porque el resto, encaja mejor como una parodia involuntaria para tomarse a chacota con un par de tragos encima) es un pseudo alegato o reflexión en torno a la pena de muerte. Y decimos serio, aunque inconcluso, porque el punto de vista escogido no se sabe si es más tibio o indignante, si sirve a quienes la condenan o justifica a quienes la defienden. La película, en suma, une dos aspectos que el cine jamás debería provocar: aburrimiento e indignación hacia la propia película.

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El ‘caso Friedkin’ es uno de los auges y desplomes más extraños de la Historia del cine. Surgido prácticamente de la nada, de un éxito entre la crítica con Los chicos de la banda (The boys in the band, 1970), obtuvo todos los Oscar principales (película, director, guión, actor) por su siguiente película, la extraordinaria French Connection (Contra el imperio de la droga, 1971), y se inmortalizó para los restos con su tercera obra, El exorcista, mítico film de terror. A partir de ahí, cuatro años hasta el rodaje de su siguiente proyecto, Carga maldita (remake de la obra maestra El salario del miedo, de Clouzot), y desde entonces más remakes (como 12 Hombres sin piedad, el clásico de Lumet protagonizado por Henry Fonda, filmado de nuevo con Jack Lemmon), thrillers de acción (entre ellos La presa, de 2003, Reglas de compromiso, de 2000), algunas incursiones desastrosas en la comedia (El contrato del siglo, de 1983) y vanos intentos de profundizar en el thriller erótico, la senda abierta por Paul Verhoeven y su Instinto básico con Jade (1995).

¿Qué pudo pasarle a este hombre? Su cine, incluso sus peores thrillers (dejemos aparte sus intentos en la comedia), no carece de interés, con momentos notables, logrados, aunque sean tópicos o manidos, y siempre consigue acompañarse de repartos impresionantes (gente como Al Pacino, Gene Hackman, Fernando Rey, Roy Scheider, Gena Rowlands, Jack Lemmon, Francisco Rabal, Peter Falk, Sigourney Weaver, Willem Dafoe, Tommy Lee Jones, Nick Nolte…). Sus tres primeras obras son extraordinarias, y por tanto no podemos hablar de que sonara la flauta por casualidad. Es decir, que el tipo sabe lo que es el cine y sabe hacerlo bien. ¿Le afectó acaso su breve matrimonio con Jeanne Moreau? ¿Perdió la mano? Se admiten hipótesis.

Doble ganador del Oscar, este graduado por Stanford llegó a Hollywood huyendo del suicidio de su madre y de un padre fascista declarado. Entre 1936 y 1942 trabajó en la MGM, estudios en los que elaboró sus primeros trabajos acreditados. Por aquel entonces se afilió al Partido Comunista de los Estados Unidos y durante la Segunda Guerra Mundial escribió guiones para documentales de propaganda bélica. Su primer gran éxito fue El halcón y la flecha (1950), de Jacques Tourneur, divertida película de aventuras, especie de versión de la leyenda de Guillermo Tell protagonizada por Burt Lancaster con leotardos. Cuando su carrera empieza a despuntar, sobreviene la era del maccarthysmo. Su pertenencia al Partido Comunista y su negativa a declarar en el Comité y a denunciar a compañeros suyos, supuso un frenazo en seco para su incipiente carrera como guionista.Colocado en la lista negra del maccarthysmo durante diez años junto a Herbert J. Biberman, Dalton Trumbo, Alvah Bessie y otros, tuvo que trabajar para la televisión y la publicidad, escribiendo de vez en cuando para el cine bajo pseudónimo. Tras un divorcio y el diagnóstico de una neumonía, mientras vivía en un hotel de Nueva York se dedicó por entero a perfeccionar su sistema de escritura, y obtiene el reconocimiento unánime del Oscar por el guión de Cowboy de medianoche (John Schlessinger, 1969), galardón que repetiría años más tarde por Coming home, de Hal Ashby (1978). Además, fue nominado también por Serpico (Sidney Lumet, 1973), protagonizada por Al Pacino, y en 1987, al final de su vida, recibió el premio Laurel del Sindicato de Escritores Cinematográficos de Estados Unidos.

El 12 de septiembre tiene previsto su estreno en Estados Unidos esta película de Jon Avnet en la que Robert De Niro y Al Pacino interpretan a una pareja de policías cuyos métodos se encuentran al filo de lo legalmente admisible, y, aunque es la tercera película en la que ambos forman parte del reparto, la única vez en la que van a compartir planos y escenas dramáticas.

En El Padrino, Parte II, de Francis F. Coppola no coincidían en ningún plano, y en Heat, de Michael Mann, apenas compartían una escena en la que ni siquiera compartían ninguna toma, siendo retratado el café que tomaban juntos en forma de plano y contraplano. Por fin, dos monstruos del cine americano de los últimos treinta años, juntos para el pleno disfrute de sus seguidores, en un reparto que incluye además al excelente actor John Leguizamo.

La magnífica epopeya de Brian de Palma (1993) sobre la figura del mafioso Carlito Brigante (Al pacino) cuenta con una exitosa banda sonora que mezcla temas discotequeros de los años 80, música latina y algún que otro clásico del pop y de las baladas, como la canción que cierra la película, You are so beautiful, de Billy Preston, que interpreta eficazmente Joe Cocker y que sirve de colofón a una banda sonora excepcional y a una narración épica.

Además de temas clásicos de la pista de baile como Lady Marmalade, Sound of Philadelphia, o Rock your baby, el ambiente hispano en que transcurre la trama introduce temas inolvidables del rock latino de la altura de Oye como va, el clásico de Tito Puente interpretado por Santana o incluso temas de Marc Anthony como Parece mentira.

Aunque no aparecen en el disco de la banda sonora editado por Columbia (2004) pero sí en la banda sonora editada en la época de su estreno, en la película además pueden apreciarse estupendos temas de música instrumental, o incluso clásicos de la ópera, como el Dúo de las Flores, de L’Akmé, de Delibes (puede escucharse en la hermosa escena en la que Pacino contempla la clase de baile de Penélope Ann Miller desde la azotea, mientras se cubre de la lluvia con una tapa de cubo de basura).

Listado de cortes:

I Love Music - Rozalla
Rock The Boat - Hues Corporation
Rock Your Baby - Ed Terry
Parece Mentira - Marc Anthony
Backstabbers - O’Jays
Sound Of Philadelphia - MFSB
Got To Be Real - Cheryl Lynn
Lady Marmalade - Labelle
Pillow Talk - Sinoa
El Watusi - Ray Barretto
Oye Como Va - Santana
You Are So Beautiful - Billy Preston