Cinissimo - el blog del cine

Se cumplen en junio de 2010 cincuenta años de los estrenos de El apartamento, de Billy Wilder, y Psicosis, de Alfred Hitchcock. Una oportunidad inmejorable de reivindicar el buen cine y de recordar que, al menos en cuanto a la gran pantalla se refiere, si cualquier tiempo pasado no siempre fue mejor, al menos sí era capaz de producir una obra maestra por semana, algo que hoy, con ese cine perdido y devaluado entre superhéroes, cómics, muñequitos y tonterías de videojuego, es, sencillamente, inconcebible.

Los libros de Stieg Larsson son el prototipo de mala literatura destinada a convertirse en, al menos, cine resultón, el tipo de libros vulgares y mediocres que un maestro como Alfred Hitchcock convertía en obras maestras del celuloide pero que en manos de directores como Daniel Alfredson terminan siendo un absoluto despropósito. La trilogía Millennium, literariamente hablando, comienza con un libro más que mediocre cuya historia criminal se compagina muy bien con las evoluciones de unos personajes construidos con descuido pero que al menos dan el pego. Ello hace que el libro, sin ser nada del otro mundo, se lea con interés gracias a su estilo en clave de novela negra. Estas virtudes desaparecen en los siguientes volúmenes, largos y hastiantes capítulos de una deriva hacia una trama tan zafia y ramplona como increíble e inverosímil en la que el mal estilo del escritor viene acompañado por una pésima historia.

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Si de algo sirve el visionado de State of grace, título original, como casi siempre, mucho más adecuado al sentido de la trama que el impuesto en España en el habitual y torpe acercamiento a la trilogía de El Padrino de Francis F. Coppola cada vez que se trata el tema del crimen organizado desde una perspectiva casi racial o cultural cerrada, sea italiano, chino o irlandés, como en este caso, es para comprobar la manera en que sus protagonistas principales ya iban proyectando lo que iban a ser sus respectivas carreras con el devenir de los años. El protagonista, Terry Noonan (Sean Penn, anticipando esos personajes atormentados, con un rico y contradictorio interior que plasmar continuamente en su rostro camaleónico), es un joven de origen irlandés que regresa a Nueva York tras varios años de ausencia y pide trabajo dentro de los negocios de sus antiguos amigos, liderados por Frankie (Ed Harris, sobrio, perfecto, como siempre antes y después) y por su locuelo hermano Jackie (Gary Oldman, en su habitual recreación de los tipos excéntricos, medio psicópatas de gatillo fácil en los que se ha encasillado dentro del cine de acción), el cual tiene una hermana (Robin Wright, antes pero a punto de añadir el Penn a su nombre de soltera, eficiente y guapísima, pero intrascendente, como le ha pasado en casi toda su carrera) con la que Terry tuvo un affaire en el pasado. Los negocios del clan no son en modo alguno limpios, al contario, incluyen la extorsión, el chantaje, el tráfico de casi todo e incluso el asesinato, y más ahora que andan en negocios con una de las familias italianas de más prestigio, la cual les obliga a subir el listón de sus fechorías incluso a costa de la eliminación de sus propios miembros, como ocurre con Stevie (John C. Reilly), amigo de la infancia de Terry y Jackie. Pero Terry en realidad es un policía infiltrado que ha pasado diez años fuera de la ciudad estudiando y formándose y que, infiltrado en el grupo por Nick (John Turturro, ya como eficaz y carismático secundario), espera conducir a todos a la cárcel, aunque la lealtad hacia sus antiguos amigos le genera una duda interior en forma de remordimientos que amenaza con acabar con su carrera y con su relación con la chica.

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Que sí, que tiene talento. Que sí, que tiene todavía más imaginación. Que sí, que ha filmado y producido algunas películas más que dignas (otras bastante mediocres, por no decir horribles, todo hay que decirlo), que es una figura imprescindible en el cine mexicano actual y por extensión en el cine español y mundial… Pero Guillermo del Toro se está poniendo un poco pesadito. A las reediciones de sus juveniles pinitos cinematográfico-literarios con Alfred Hitchcock en el punto de mira y de sus aventuras literato-vampíricas, hay que sumar su constante presencia en las quinielas sobre nuevos y futuribles proyectos de Hollywood y fuera de él. El Hobbit está en el centro de la rumorología, de toda una serie de conjeturas que el mismo Del Toro ha insistido en despejar: sólo habrá dos películas, con la historia de Tolkien partida en dos y sin esa hipotética tercera parte, invención pura del mexicano y de Peter Jakcson, que habría de hacer de nexo entre la segunda parte de las aventuras de Bilbo Bolson y La comunidad del anillo, primera pata de la trilogía El Señor de los Anillos. Y además, Ian McKellen, Hugo Weaving y Andy Sarkis seguirán en sus papeles.

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El pasado 30 de marzo falleció Maurice Jarre, compositor de origen francés nacionalizado estadounidense, ganador de tres premios Oscar a la mejor música para una película por tres de sus trabajos para el británico David Lean: Lawrence de Arabia (1962), Doctor Zhivago (1965) y Pasaje a la India (1984), tres ejemplos del gran cine-espectáculo de Lean que no hubieran sido lo mismo sin las inolvidables partituras compuestas por Jarre de las que se destila grandeza, majestuosidad.

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Puestos a hablar de productos cinematográficos lamentables, pocos ejemplos tan oportunos como esta bazofia dirigida, es un decir, por Doug Liman en 2005, que tiene tres guionistas (no se sabe para qué) y que desde el principio se convirtió en un engendro para el exclusivo lucimiento de la “bella” pareja protagonista, Brad Pitt y Angelina Jolie, para lo cual el equipo de guionistas, es otro decir, no tuvo una ocurrencia mejor que, primero, plagiar el título de la única comedia que Alfred Hitchcock dirigió en su vida (traducida en España como Matrimonio original) y salpicar su inexistente trama con notas del guión de El honor de los Prizzi, una de las grandes películas del último John Huston.

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Clásico del cine de culto para todos los fans del cine de terror y ejemplo máximo del cine para adolescentes, Viernes 13 es todo un hito del cine comercial y un ejemplo de mercadotecnia cinematográfica imitado hasta la saciedad. No podía ser de otra manera con un clásico, más por su morbo que por su calidad, que ha sido la que más dividendos ha generado entre todas las sagas del cine de terror y también la que más secuelas, a cual más demencial, ha parido.

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Se ha ido una de las voces de la memoria sentimental de los cinéfilos españoles. Elsa Fábregas, actriz de doblaje por excelencia con setenta años de experiencia en los que dio voz, entre muchas otras, a Vivien Leigh, Doris Day, Anne Bancroft, Gena Rowlands, Sofia Loren, Anouk Aimée, Bette Davis, Betsy Blair, Lucía Bosé, Julie Christie, Jeanne Moreau, Shelley Winters, Audrey Hepburn, Joan Fontaine, Faye Dunaway, Elizabeth Taylor, Melina Mercouri, Ingrid Bergman, Judith Anderson (la pérfida ama de llaves de Rebecca), Jean Peters, Maggie Smith, Vanesa Redgrave o Judi Dench, ha fallecido a los 87 años.

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Donald Spoto se acerca de nuevo a la figura de Alfred Hitchcock tras los trabajos críticos de su obra y su magnífica biografía (La cara oculta del genio) para adentrarse esta vez en uno de los aspectos más oscuros y controvertidos del mago del suspense: su presunta misoginia y su tratamiento enfermizo y obsesivo de la mujer, tanto en sus películas como en la vida real. Echando mano de fuentes directas, Spoto no se limita a analizar el comportamiento del director, sino que presenta con un rico anecdotario y una recopilación de fenómenos sorprendentes e inquietantes a las contradicciones y dramas de unas actrices que aceptaban mucho más allá de lo aceptable con tal de consagrar sus carreras trabajando con un genio.

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Desde el 26 de septiembre está a la venta el libro Dalí y el cine (editorial Electa), una recopilación de textos que incide en las mutuas influencias entre el pintor y el séptimo arte, desde sus iniciales colaboraciones con Luis Buñuel en Un perro andaluz o La edad de oro hasta sus proyectos tras la cámara frustrados, pasando por sus más célebres intervenciones junto a Walt Disney o Alfred Hitchcock en Spellbound (Recuerda, 1945). El libro incluye reproducciones de pinturas y dibujos, guiones y otros textos del propio Dalí y de autores como Dawn Ades, Félix Fanés, Matthew Gale, Agustín Sánchez Vidal, William Jeffet, Michael R. Taylor, Ilene Susan Fort, Sara Cochran, Montse Aguer, Helen Sainsbury y Elliot H. King.

Megalómano, exhibicionista, y gran experto en el arte de venderse a uno mismo, la influencia del cine en Dalí viene marcada desde la creación de su personaje, de esa fachada inventada por él mismo con la que se mantuvo durante décadas en el ojo del huracán de la polémica y la excentricidad, hasta su muerte en 1989. Al tiempo, en sus esporádicas colaboraciones en el cine dio lo mejor de sí, como prueban las escenas oníricas del film de Hitchcock, para las que desde el primer momento el director británico y el magnate David O. Selznick habían pensado en el pintor surrealista, aunque las dificultades económicas impuestas por las exigencias de Dalí y sus excesos creativos, demasiado atrevidos para el cine de Hollywood de los cuarenta, a punto estuvieron de frustrar la colaboración.

La relación de Dalí con el cine incluye sus proyectos frustrados, fracasos debidos, principalmente, a su osadía estética y a su pretensión de explotar al límite las posibilidades del surrealismo con el fin de seguir manteniendo esa imagen pública prefabricada: Si creo mi película, quiero estar seguro de que será, de principio a fin, una sucesión de maravillas, porque no tiene sentido molestarse en ver espectáculos que no sean sensacionales.

Título: Dalí y el cine

Autor: VV.AA.

Editorial: Electa

Páginas: 240

Precio: 29,90 euros

Fuente: Casa del Libro