Cinissimo - el blog del cine

Brick, de Rian Johnson, supuso en su momento una de las mayores y mejores sorpresas del mal llamado cine independiente, sobre todo por su acertada combinación de estética indie, precariedad de medios, intérpretes pseudodesconocidos y referentes de altura provenientes del mejor cine negro de la época dorada de Hollywood. Con estos elementos, Johnson elaboró un laberíntica e intrincada trama de intriga que tiene un instituto del sur de la soleada California como lúgubre escenario de una historia sórdida, pesimista y, en algunos aspectos, ingeniosamente irónica.

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Si de algo sirve el visionado de State of grace, título original, como casi siempre, mucho más adecuado al sentido de la trama que el impuesto en España en el habitual y torpe acercamiento a la trilogía de El Padrino de Francis F. Coppola cada vez que se trata el tema del crimen organizado desde una perspectiva casi racial o cultural cerrada, sea italiano, chino o irlandés, como en este caso, es para comprobar la manera en que sus protagonistas principales ya iban proyectando lo que iban a ser sus respectivas carreras con el devenir de los años. El protagonista, Terry Noonan (Sean Penn, anticipando esos personajes atormentados, con un rico y contradictorio interior que plasmar continuamente en su rostro camaleónico), es un joven de origen irlandés que regresa a Nueva York tras varios años de ausencia y pide trabajo dentro de los negocios de sus antiguos amigos, liderados por Frankie (Ed Harris, sobrio, perfecto, como siempre antes y después) y por su locuelo hermano Jackie (Gary Oldman, en su habitual recreación de los tipos excéntricos, medio psicópatas de gatillo fácil en los que se ha encasillado dentro del cine de acción), el cual tiene una hermana (Robin Wright, antes pero a punto de añadir el Penn a su nombre de soltera, eficiente y guapísima, pero intrascendente, como le ha pasado en casi toda su carrera) con la que Terry tuvo un affaire en el pasado. Los negocios del clan no son en modo alguno limpios, al contario, incluyen la extorsión, el chantaje, el tráfico de casi todo e incluso el asesinato, y más ahora que andan en negocios con una de las familias italianas de más prestigio, la cual les obliga a subir el listón de sus fechorías incluso a costa de la eliminación de sus propios miembros, como ocurre con Stevie (John C. Reilly), amigo de la infancia de Terry y Jackie. Pero Terry en realidad es un policía infiltrado que ha pasado diez años fuera de la ciudad estudiando y formándose y que, infiltrado en el grupo por Nick (John Turturro, ya como eficaz y carismático secundario), espera conducir a todos a la cárcel, aunque la lealtad hacia sus antiguos amigos le genera una duda interior en forma de remordimientos que amenaza con acabar con su carrera y con su relación con la chica.

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Western suburbial en el Buenos Aires de hoy, thriller de intriga y desencanto, cine negro de sentimientos, amores perdidos y justicia impuesta a golpe de revólver, Un oso rojo, del argentino Adrián Gaetano, forma parte de ese mundo casi ignoto de excelentes películas que pasan desapercibidas para el gran público por el absurdo prejuicio de espectadores, y como consecuencia, también de productores y distribuidores, que deja pasar oportunidades de acercarse a buenas historias por una fijación en cuanto al lugar de su procedencia. Esta misma historia contada de la misma manera, con Russell Crowe o Will Smith como protagonistas, hubiera arrasado en las taquillas de medio mundo y su nómina de premios sería interminable. Sin embargo, esta cinta ha quedado relegada, aquí en España, a su programación televisiva casi de incógnito y a horas prohibitivas.

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La galopante escasez de ideas que surca Hollywood de parte a parte obliga a veces a complicadas e ilógicas operaciones de mercadotecnia y de improvisación. Es lo que parece suceder con la proyectada nueva trilogía que acaban de sacarse de la manga y que tiene la excelente película de Sam Mendes, Camino a la Perdición, últimamente de nuevo de actualidad tras haberse convertido en recurrente recurso para evocar la memoria del recientemente fallecido Paul Newman, como primer capítulo, por mucho que en el momento de su concepción y rodaje la película no tuviera el carácter de inicio de un serial. 

La película, excepcional adaptación a la pantalla del cómic en que se inspira, es, pese a no estar exenta de debilidades (por ejemplo, argumentales o de dibujo de algunos personajes), una de las mejores obras que el cine norteamericano ha producido en los últimos tiempos. Tal condición se ve amenazada por las dos continuaciones que al parecer quieren hacerse, Camino al Purgatorio y Camino al Paraíso, que, sin contar con los auténticos valedores de su predecesora, Mendes, Tom Hanks, Jude Law, Daniel Craig y sobre todo Paul Newman, parte a priori con una enorme desventaja y con la etiqueta de no poder alcanzar ni en sueños el nivel de la primera entrega, ni artística ni narrativamente, ya que al parecer la historia se reduce a la venganza que Michael Sullivan Jr., que asistió en la primera parte al asesinato de su padre, planea sobre quienes lo provocaron. El autor de la historia original, Max Allan Collins, se encargará de guión y dirección. Para echarse a temblar. Esperemos que de confirmarse las peores sospechas el desaguisado no salpique demasiado a la película de Sam Mendes.

El Festival Internacional de Cine de San Sebastián se caracteriza por dedicar alguna de sus secciones paralelas a directores o géneros no muy conocidos por el gran público, generalmente reducto de cinéfilos y estudiosos del cine, que de no ser por estas retrospectivas quedarían para siempre relegadas a esos pequeños círculos especializados. Pero el festival realiza una labor encomiable al descubrirnos, a aquellos que vemos el cine como un placer y no nos dedicamos a su estudio en profundidad, obras que de otra manera nos pasarían totalmente desapercibidas.

Y a eso contribuyen en gran medida los libros en edición bilingüe castellano-inglés que el Festival edita con constancia en cada edición. En esta ocasión se nos abre un nuevo mundo cinematográfico en este libro que analiza en profundidad el cine negro japonés, un género prácticamente desconocido para la gran mayoría del público y seguramente para muchos de los llamados cinéfilos.

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Híbrido entre el drama personal y el cine negro tanto en el fondo como en el estilo, Croupier, dirigida por Mike Hodges (Get Carter, Pulp, Flash Gordon) en 1998 y protagonizada por un incipiente Clive Owen, uno de los actuales guapos oficiales (aunque un tanto exótico) que, para variar, atesora también grandes cualidades interpretativas, es una de las películas británicas mejor acogidas por la crítica de los últimos tiempos, algo novedoso en una filmografía que intenta recuperar, y con bastante acierto en la última década, algo de la gloria y la calidad que mantuvo a lo largo de muchas décadas. Y en general, aunque la película acusa una evidente falta de medios si la comparamos con productos similares procedentes de otras geografías, es su cercanía, su apariencia de realidad, la que quizá le hace saltar barreras hacia un espectador acostumbrado a que este tipo de historias tengan más de fantasía que de pedazos de vida.

Jack es un sudafricano que intenta abrirse camino en Londres como escritor. Sin embargo, aunque consigue publicar artículos y relatos, no termina de cuajar como novelista, y cuando siente un bloqueo narrativo necesita volver a su antigua profesión de croupier, aprendida en el complejo de ocio en el que creció junto a su padre, para salir adelante. Allí, una misteriosa mujer y las relaciones con algunos empleados habituados a los secretos y peligros de la noche londinense, del mundo de las fiestas, los casinos clandestinos y los fraudes le abrirán una perspectiva llena de peligros pero también con mucho que ganar, aunque la relación con su novia pueda naufragar para siempre.

Contada con voz en off del protagonista en primera persona y construida como un enorme flash-back como el del clásico detective que narra su último caso, se dan cita todos los elementos clásicos del género negro: una mujer peligrosa, dinero fácil, un inocente envuelto en un proyecto de crimen, un mafioso que no perdona los errores, y una historia de amor que trata de abrirse paso entre tanta dificultad. No aporta nada nuevo ni su estilo merece especial consideración, pero interesa.

Que un clásico del cine que este mes de junio cumple 84 años se haya marcado la que sin duda es la mejor película del año debería hacernos reflexionar en cuanto cuál es la verdadera valía de una generación de cineastas que trata de ocupar el puesto de los grandes nombres que poco a poco van dejando la profesión. Sidney Lumet ha conseguido un trabajo soberbio, memorable, explosivo, vertiginoso, trágico, dinámico, brillante, cine negro de categoría con tintes familiares, extraordinaria, fenomenalmente interpretado y con un guión al que la calificación excelente se le queda corta.Haciendo un alarde de virtuosismo en lo que significa la dirección cinematográfica, y siguiendo la senda de clásicos como La jugla de asfalto o Atraco perfecto en cuanto a la fragmentación de la estructura narrativa, Lumet nos ofrece un thriller sobre las complejidades del alma humana y de la pérdida total de valores en aras de la codicia y la perversión moral producidas por una insoportable desesperación. A causa de su acuciante necesidad de dinero para cubrir las propias faltas arrastradas a lo largo de los años, dos hermanos de clase media alta, Andy, (Philip Seymour Hoffman), hombre de negocios casado con una mujer florero (excepcional, en todos los sentidos, Marisa Tomei) y heroinómano, y Hank (Ethan Hawke), sometido a la servidumbre constante de pagar una cuantiosa pensión a su ex mujer y que mantiene una relación con su cuñada a espaldas de su hermano, conspiran para llevar a cabo el atraco perfecto: la joyería de sus padres. Un golpe sencillo: arma de juguete, señora mayor tras el mostrador, sin alarmas, rápido y sencillo. Pero una serie de casualidades hacen que todo vaya mal, y Andy y Hank inician la cuenta atrás hacia su desmoronamiento.

Magistral en su dirección y ejemplificadora en cuanto a la intensidad y calidad de las interpretaciones, es la película imprescindible del año por su originalidad dentro de los márgenes habituales y su excelsa síntesis entre la modernidad narrativa y visual y el mejor clasicismo.

Lawrence Kasdan, guionista prolífico en los años setenta y primeros ochenta (de entre otras, Star Wars o la primera entrega de Indiana Jones), en seguida dio muestras al dedicarse a la dirección de su gusto por el cine clásico. Si en 1981 intentó revitalizar el cine negro con Fuego en el cuerpo, en 1985 realizó uno de los retornos más sonados al ya decrépito género del western con esta película de prometedor reparto que, sin llegar a convertirse en un clásico, pecando quizá de cierto predominio de lo formal, lo estético, lo tópico, por encima de la calidad de una historia con alma propia, sólida e independiente de reminiscencias o legados (defectos típicos de Kasdan, por otra parte), fue el mayor logro por recuperar un género que va unido al desarrollo del cine, que es Historia del cine.

Silverado es una ciudad fronteriza del oeste. En 1880, cuatro vaqueros cabalgan por el polvoriento camino de la ciudad: los hermanos Emmett, el aventurero Paden y un duro vaquero negro, cada uno por sus razones propias. Al llegar encuentran un ambiente hostil que les obliga a tomar decisiones con las que no todos están de acuerdo, y que poco a poco les irán colocando del mismo lado frente a los malvados. Su principal enemigo es el comisario, que se dice salvaguarda de la ley, aunque muy a su manera, como ya resulta típico.

Con un ritmo visual muy “ochentero”, sumando a los momentos de violencia habituales en el western escenas de acción más propias del gusto de cierto público por las acrobacias, la velocidad y el efectismo visual, sin embargo el mayor valor de la cinta fue dotarse de un reparto que aunaba grandes promesas (Kevin Costner, Kevin Kline), veteranos en plenitud (Danny Glover, Brian Dennehy), realidades del momento luego venidas a menos (Scott Glenn, Jeff Goldblum, Rosanna Arquette) e incluso intérpretes en busca de cambios de registro (el Monty Phyton John Cleese), en un magnífico entretenimiento con sabor a viejo western que se queda no obstante en un buen intento.

John Dillinger, uno de los más afamados gángsters de la historia de Estados Unidos tendrá el rostro de Johnny Depp en la película que está rodando en Wisconsin el director Michael Mann. Basada en el éxito de ventas literario de Bryan Burroughs sobre la repercusión favorable y entusiasta de los grandes criminales, auténticas estrellas mediáticas del momento para la opinión pública, entre los norteamericanos de a pie de los años treinta, Public Enemies cuenta con Depp en la piel de Dillinger, que está secundado por otros nombres como Giovanni Ribisi, Christian Bale, Stephen Dorff, Lily Taylor o la ganadora del Oscar a la mejor actriz en la pasada edición de los premios de la Academia por su caracterización de Edith Piaf Marion Cotillard. El reparto se completa con Billy Cudrup, que interpreta nada menos que a J. Edgar Hoover, el primer director del FBI, aunque no está confirmado si Cudrup incorporará a la creación de su personaje los rumores (o algo más) que nos hablan de Hoover como un señor aficionado a vestirse con la ropa de la señora Hoover.

La película de Mann se centra en el auge del crimen organizado de los años treinta y en la creación del FBI para contrarrestarlo, en una lucha que durará décadas y que, en cierto modo, continúa aún hoy, y que recuerda vagamente al film de Mervin Leroy The FBI story (1959), protagonizado por James Stewart, película propagandística sobre este cuerpo de seguridad norteamericano que en este caso recogía varios capítulos distintos en los que los agentes, además de contra el crimen organizado, luchaban contra el espionaje comunista o el Ku Klux Klan.

Ciudad del pecado es un lugar en el que una noche eterna da cobijo a políticos corruptos, policías vengativos, detectives amargados, chicas sugerentes, mafiosos psicópatas y tipos duros y pendencieros. Hartigan (Bruce Willis) es el último policía limpio de la ciudad y es el eterno protector de Nancy (Jessica Alba). Dwight (Clive Owen) es un detective que no teme enfrentarse a tiros a los poderosos para defender a sus amigos. Marv (Mickey Rourke) es un coloso descerebrado que busca vengar la muerte de la única mujer que le amó, aun fugazmente… Completan el cuadro, entre otros, personajes tales como un obispo corruptor (Rutger Hauer), un niño asesino en serie (Elijah Wood),una joven maltratada (Brittany Murphy) y su novio maltratador, además policía (Benicio del Toro), un policía vendido a la mafia (Michael Madsen), un asesino a sueldo (Josh Hartnett)…

Vibrante y meticulosa adaptación del universo de cómic que creó Frank Miller (que ahora se lanza a la dirección en solitario con The Spirit, con Samuel L. Jackson, Scarlett Johansson o Paz Vega, entre otros), traslación cromática y plano a plano de su mundo de viñetas en una película trepidante de acción y cine negro que, sin embargo, a fuerza de golpes visuales y narración entrecortada llega a resultar tediosa. Constituye la puesta en imágenes del particular mundo de Quentin Tarantino con personajes en tres dimensiones que aúnan violencia, sexo y diálogos estupendos, pero que resultan demasiado planos, sin alma, como la película en sí, carente de profundidad, de historia, de verdadera emoción más allá de una estética cuidada, entre efectiva y hastiante.

Es una película sugerente, cautivadora en cuanto a lo visual, disparatada, incluso por tramos demencial, en lo narrativo, interesante ejercicio de traslación de cómic a la pantalla grande confiriéndole una identidad independiente y válida por sí misma que va para clásico moderno a pesar de sus evidentes carencias.

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