Will Smith toma el relevo del recientemente desaparecido Charlton Heston y encarna a su mismo personaje en esta nueva adaptación a la pantalla por Francis Lawrence de la novela de Richard Matheson que trata de un científico que busca cura para evitar la desaparición de los últimos seres humanos ante un virus, en esta exitosa y taquillera película del pasado año que llega al mercado de DVD en tres ediciones distintas.

La primera de ellas, a la venta por 15,95 euros incluye unos cómics como principal extra. La edición especial, por un importe de 21,95 euros, añade a los cómics un making of y un documental sobre los aspectos técnicos y científicos del problema sobre el que la película gira en torno. Finalmente, el formato Blu-ray, a 28,95 euros, incorpora los extras de ambas ediciones en DVD y además la posibilidad de escoger un final alternativo inédito hasta ahora.

Título: Soy leyenda

Precio edición sencilla un disco: 15,95 euros

Precio edición especial dos discos: 21,95 euros

Precio edición Blu-ray: 28,95 euros

David Morse es uno de los más reconocibles actores de reparto del cine norteamericano actual. Su imagen resulta indisoluble de algunos de los más recordados éxitos recientes del cine de acción (La roca, Michael Bay, 1996), películas más mediocres del mismo género (Memoria letal, 1996; Negociador, 1998), thrillers más o menos convencionales (37 horas desesperadas, de Michael Cimino, Al cruzar el límite, Prueba de vida), algún que otro drama interesante (Locos en Alabama, Antonio Banderas, 1999; Bailar en la oscuridad, Lars Von Trier, 2000; Corazones en Atlántida, Scott Hicks, 2002) e incluso la ciencia ficción (Doce Monos, Terry Gilliam, 1995) o el drama carcelario (La milla verde, Frank Darabont, 1999).

Con un físico idóneo para dar vida a personajes rudos en el marco de tramas de acción y violencia, posee no obstante un rostro y unos matices interpretativos que no le hacen desentonar al encarnar personajes dramáticos en narraciones más intimistas y dramáticas. En su carrera, iniciada en 1980 con Richard Donner, ha ido alternando unos y otros papeles, aunque por los resultados en taquilla su nombre venga ligado casi siempre al cine de acción. Su último papel ha sido en el thriller Disturbia, thriller que coprotagoniza junto a Carrie-Ann Moss y Shia LaBeouf, en el que encarna a un sospechoso de ser asesino en serie.

Últimamente especializado en papeles de acción, su gran personaje dramático está aún por llegar, y amenaza con no llegar nunca si, aun contando con sus buenas interpretaciones, no escoge mejor los proyectos en los que interviene.

La intervención del histriónico José Corbacho en la codirección junto a Juan Cruz (que repiten en la reciente Cobardes) no invitaba al optimismo, pero esta comedia urbana y agridulce es una de las mayores sorpresas del cine español reciente y ha obtenido importantes premios en festivales como Málaga y en ceremonias como los Goya. Una vez más vemos historias cotidianas mezcladas, sueños, amarguras, deseos, anhelos, pequeñas traiciones y soplos de vida, amistad y amor, en una combinación de comedia y melodrama con demasiado aire a serie de televisión pero que logra huir de lo tópico y acercarse a lo intimista a través del humor y una gran sinceridad: miedo a la soledad, prejuicios hacia lo desconocido, amores crepusculares, incomunicación, dilemas vitales, vidas desaprovechadas, el retrato de la vida de un barrio obrero y modesto cercano a una gran ciudad en la que los sueños y ambiciones son de corto recorrido.

Especialmente destacan las magníficas interpretaciones, sobre todo de Elvira Mínguez (Goya a mejor actriz de reparto) como mujer madura que ve en un chico joven (Rubén Ochandiano) su última esperanza para el amor, de Ángel de Andrés como dueño de un bar de tapas que debe adaptarse a su nuevo cocinero chino tras el abandono de su mujer, huida que intenta esconder a todos para no menoscabar su hombría, y la curiosa la aparición del archiconocido cocinero Ferrán Adriá. Pedazos de vida filmados con verosimilitud y realismo, extrañamente cómicos y dramáticos a un tiempo, como la historia de la pareja de jubilados y su miedo a la soledad.

Una película sin alardes técnicos ni imágenes poderosas, pero en conjunto tierna, honesta, sencilla, directa y con los toques justos de drama y humor, en la que todos los que provenimos de barrios populosos en los que la vida se hace en la calle nos vemos fácilmente identificados.

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El whisky comparte con la patata una curiosa analogía: son fórmulas empleadas cuando la compañía o el estado de ánimo no generan espontáneamente una expresión facial de contento y agrado en la toma de una fotografía. Así viven los tres protagonistas de esta comedia dramática premiada en Sundance en 2004. Jacobo (Andrés Pazos), hombre maduro que sobrevive gracias a su modesta fábrica de medias tiene que recurrir a su empleada más fiel, Marta (Mirella Pascual), mujer de su misma generación y a la que no lo une más que una relación estrictamente laboral, marcada por la rutina y la convivencia silenciosa, para que le ayude a afrontar la visita de su hermano, Herman (Jorge Bolani), que vive en el extranjero y al que hace años que no ve, haciéndose pasar por la pareja que hace años le dijo que tenía. La película muestra la difícil relación entre los tres personajes, su incomunicación y distancia, los rencores subyacentes, los espontáneos brotes de amistad y camaradería, las maneras cordiales impostadas, la convivencia llena de torpezas, inconveniencias, resentimientos y silencios elocuentes para bien y para mal.

El viaje que emprenden es una búsqueda de su interior dormido y que a través de pequeños detalles y de los cambios en una rutina cotidiana que los tres arrastran como autómatas desde hace demasiado tiempo, revela su enorme soledad y su profunda necesidad de los otros. Juan P. Rebella y Pablo Stoll consiguen una película difícil, áspera, incómoda, una comedia dramática o un drama cómico en que la amargura no impide vislumbrar la esperanza, ni ésta logra hacer olvidar la tristeza. Lejos de ser una comedia convencional, es un estudio de nuestras difíciles relaciones con los demás y del intento de no ser derrotados por la vida.

Segunda película del movimiento Dogma 95 tras la espléndida Celebración (Festen, de Thomas Vinterberg), Lars von Trier utiliza las rocambolescas experiencias de un grupo de jóvenes reunidos en una casa de campo para explorar los nebulosos límites de la idiotez humana como metáfora de la búsqueda de un orden superior, llámese Dios o Estado, a través de la irreverencia o de la anarquía más o menos organizadas. Hondo estudio de la condición humana y punto de partida para agudas y profundas reflexiones o gilipollez supina, lo que está claro es que esta película no mueve a la indiferencia. Para ello utiliza el personaje de Karen, una mujer introvertida y solitaria que se ve inmersa en una de las “performances” con las que el grupo pretende enfrentarse mediante la idiotez a las convenciones sociales y que termina uniéndose a la causa.

Con voluntad de subversión y de provocación (los personajes se comportan en todo momento como disminuidos psíquicos e incluso llegan a apelotonarse en una orgía retratada con imágenes de sexo explícito, incluidas escenas de penetración), Von Trier sigue, según los restrictivos mandamientos del movimiento Dogma (uso de luz natural, rodaje cámara en mano, sin música, decorados ni artificios dramáticos o narrativos…; nada nuevo que ya existía en el cine independiente americano de la época Cassavetes, por ejemplo, pero que ninguna película Dogma respeta en su totalidad) un agudo y magistral, para unos, y bobo, en la línea de los personajes de la ficción, para otros, acercamiento un tanto irónico a las relaciones humanas y a las absurdas motivaciones que mueven de vez en cuando nuestra conducta, que Von Trier achaca a nuestra debilidad.

El comienzo de la película, el plano general abierto aéreo sobre la bahía de Nueva York con una cámara que poco a poco desciende y se acerca para penetrar en el ferry que la cruza hasta situarnos delante de Melanie Griffith y Joan Cusack mientras suena Let the river run de Carly Simon, clásico de los ochenta premiado con un Oscar, es lo mejor de esta película, comedia de ascenso social en el marco de la lucha entre tiburones de Wall Street, que tras ese primer instante que demuestra que Mike Nichols, su director, no es un cualquiera, deriva más adelante por caminos más convencionales y previsibles contando la historia de una cenicienta, Tess (Griffith), una de tantas secretarias de una planta de un edificio financiero, que con muchas horas de escuela nocturna, entusiasmo e ideas nuevas quiere ascender en el ambiente de los mercados financieros. Cuando una nueva jefa (Sigourney Weaver) le roba una idea para un negocio seguro, Tess aprovecha su ausencia para suplantarla y llevar a buen término el trato, gracias a la ayuda de un experto (Harrison Ford), del que se enamorará, faltaría más, y que le abrirá las puertas de la posición que siempre deseó y que cree merecer por su talento.Un excelente guión, algunos momentos puntuales de comedia y la efectiva interpretación del trío protagonista junto a buenos secundarios (Joan Cusack, Alec Baldwin, Oliver Platt, y no perderse a Kevin Spacey antes de ser famoso, como jefe que quiere beneficiarse a la secretaria en el asiento trasero de una limusina) son los únicos puntos de interés que tiene esta historia acerca, una vez más, del logro del sueño americano santificado por el éxito y el trabajo. Producto con moralina, pero entretenido.

La irregular novela del permanente candidato al Nobel Philip Roth El animal moribundo ha sido llevada a la gran pantalla por el guionista Nicholas Meyer y dirigido por la catalana Isabel Coixet, que ha transformado una novela en la que Roth reflexiona sobre el paso del tiempo mediante la historia, repleta de desenfrenos sexuales, de la relación entre un veterano profesor y una joven estudiante, en una película intensa, sensible e intimista, en la que no se precisa retratar de forma expresa los frecuentes pasajes de contenido sexual del libro para mostrar el deseo y la necesidad respectiva entre ambos, manifestada en los rostros, las miradas, los gestos, emociones a flor de piel puestas en evidencia a distancia muy corta.

David, profesor maduro y mujeriego (Ben Kingsley) está acostumbrado a las relaciones esporádicas. Sin embargo, cuando conoce a Consuela (Penélope Cruz), tras sus curvas, su atractivo sexual y su carnalidad, cree vislumbrar algo que confiere un especial sentido a su vida y le abre las puertas de la reflexión, tambalea su seguro y cómodo mundo interior, y nacen en él sentimientos y emociones intensas que le hacen obsesionarse con la joven.

La película combina fidelidad al original con el estilo propio de Coixet, sobrecargado a menudo de sentimentalismos (continuas tomas de caída de hojas, un innecesario abuso de la voz en off, las melodías de Satie subrayando de forma superflua la melancolía de las imágenes), pero que profundiza en sus mayores virtudes, la puesta en escena y el tempo narrativo. Los actores están estupendos, destacando más los secundarios, fenomenales Dennis Hopper y Patricia Clarkson.

Película que logra sustituir sexo por intensidad emocional, se queda, no obstante, a medias. Abusa de sentimentalismo y en ocasiones ese exceso perjudica la credibilidad de la relación y la posible identificación del espectador.

Jim Jarmusch obtuvo con Flores rotas el Gran Premio en Cannes con esta historia cómico-dramática, a medio camino entre el relato detectivesco y la búsqueda existencial. Con un Bill Murray explotando hasta el límite la cara de palo que lució en Lost in translation (Sofia Coppola, 2004), Jarmusch nos cuenta de forma concisa y reposada la búsqueda que Don, un Don Juan entrado en edad y en plena crisis de vacío vital tras su abandono por su último ligue (Julie Delpy), emprende la búsqueda de su hijo, de cuya existencia acaba de tener noticia a través de una carta anónima. Con ayuda de su excéntrico vecino, un aficionado a las historias de crímenes, personaje divertidísimo, impagable, Don sale a la caza de su hijo para lo cual debe recomponer el puzzle de sus relaciones pasadas (entre ellas Sharon Stone o Jessica Lange) y averiguar cuál de sus antiguas amantes es la madre como forma de llegar a su hijo.

Sin que el espectador sepa muy bien en todo momento qué terreno pisa, si el del drama por el paso del tiempo, la intrascendencia de la vida y los sueños perdidos o bien una comedia por la que desfilan personajes excéntricos y un tanto pasados de rosca, ambas sensaciones acrecentadas por el granítico careto facial de un Murray emulador de las dotes de Buster Keaton para el rostro impertérrito, Jarmusch bucea de forma aparentemente banal en las relaciones personales con un tono agridulce, humor y una gran belleza estética. La fina ironía que surca la película no logra ocultar del todo el fondo reflexivo y dramático de Jarmusch manifestado a través de los detalles y los gestos.

Mención aparte para una magnífica banda sonora, perfectamente complementaria de la gran belleza visual de la película, y que sirve tanto a algunos momentos de humor como a acrecentar la sensación de soledad. Película muy recomendable, disfrute seguro.

Los componentes de una banda de música egipcia aparecen, perdidos y desorientados, en una pequeña y aislada ciudad israelí. ¿Qué puede resultar del cruce de un grupo de músicos de la policía de Alejandría con los colonos judíos en mitad del mayor polvorín del planeta? Donde cualquiera pudiera haber previsto una película políticamente militante, cargada de ideología y simbolismos partidarios o morales, Eran Kolirin apuesta por la verdadera naturaleza del ser humano. Sin hostilidad ni recelos, unos y otros abrirán sus corazones durante el breve tiempo que van a convivir, demostrando que los sentimientos humanos, con sus pequeñas tragedias y comedias, están por encima de las hipocresías políticas.Aparentemente ingenua pero muy perturbadora, el humor y el clima amable de La banda nos visita, sin entrar en ningún momento en cuestiones políticas, nos reconforta tanto como nos remueve algo por dentro al enlazar la bella historia de la cinta con las imágenes que los medios nos ofrecen de la zona. Las diferencias culturales, las discrepancias de sus gobiernos, el pasado sangriento de sus países, no impiden a los individuos confraternizar, compartir. La forma que tiene Kolirin de mostrar la historia, con sus silencios, sus miradas sutiles, sus pequeños gestos, es deliciosa.

La película, que no pudo concursar en los Oscar al estar hablada en inglés en la mayor parte de su metraje (idioma que utilizan ambas comunidades para cohabitar), parte de los propios recuerdos del director, cuando en su infancia la televisión israelí emitía películas egipcias acompañadas de sesiones de conciertos de bandas de música de aquel país, algo que hoy resulta complicado de ver. De la nostalgia de aquella normalidad, de aquella interacción pacífica egipcio-israelí, nació una película que es una fábula a favor de tender puentes hacia los demás.

En ocasiones se define a Nick Nolte como cacho de carne plano, monolítico, granítico, sólo apto para ponerse en la piel de cachos de carne violentos y sin matices. Nada mejor para contradecir tal idea que observar detenidamente su brutal interpretación en este thriller que es más bien la historia de un drama psicológico familiar. Nolte es Wade Whitehouse, el sheriff de un pequeño pueblo de las praderas norteamericanas en el que nunca pasa nada. Su vida es monótona, gris, sin alicientes, sin esperanzas. Sin embargo, un líder sindicalista muere en el bosque por un disparo de rifle, en lo que aparentemente supone un accidente de caza. Wade enseguida lo pone en duda y opina que se trata de un asesinato premeditado. La ardua investigación que inicia, contra todo y contra todos, oscila entre la búsqueda rigurosa de la verdad de los hechos y la lucha por demostrar a todos, principalmente a su padre, su valía, su carácter y su capacidad para lograr ser algo en la vida, una lucha en la que de fondo siguen latentes truculentos hechos del pasado que atormentan a Wade y que han marcado toda su vida.

Paul Schrader crea una película sombría, incómoda, desgarradora, en la que la averiguación de las causas de una muerte violenta termina diluyéndose en un drama psicológico en la que los traumas y los complejos, los rencores y las venganzas del pasado son fenomenalmente mostrados por la espectacular actuación de Nick Nolte y la fantástica réplica de un James Coburn que lograría el Oscar como actor de reparto, secundados por dos estupendos Sissy Spacek y Willem Dafoe.

Película dura, rabiosa, psicológicamente violenta, ofrece además una gran riqueza visual gracias a la estupenda fotografía y a la fenomenal elección de localizaciones. Maravillosas e inquietantes escenas en los bosques nevados, muy sugerentes.