El peor defecto que puede tener una comedia romántica (añadido a la perversión habitual del término “romántico” y su equiparación a lo cursi, ñoño o azucarado) es que de comedia no tenga nada. Y este intento de George Clooney con su tercera película como director se queda en un ejercicio blandorro y descafeinado de recuperación de las comedias alocadas de los años 30 y 40, y ni siquiera la buena química del dúo protagonista, Clooney y Renée Zellwegger, salva a una película irrelevante. Tras el cine sobrio, sólido, comprometido y profundo de la anterior cinta del actor y director, ha desengrasado con Ella es el partido (comentario aparte merecería la estúpida traducción española del título) una comedia que no es tal, que sustituye los gags y el ingenio por un tono ligero repleto de banalidades, sin pulso, sin nervio y sin ritmo adecuados.

Clooney ha buscado filmar una película intrascendente, de mero entretenimiento, pero ni los diálogos (pretendidamente chispeantes pero bastante tontos, ni la historia (que mezcla la época del nacimiento del fútbol americano con una historia de amor entre Clooney, que da vida a uno de los pioneros de este deporte, y Zellwegger, una periodista quisquillosa a la que quiere ganarse), ni las situaciones (que quieren recordar la frescura de los grandes comediantes del cine mudo y de las comedias de Hawks o Cukor pero que no nos libran del bostezo) permiten rescatar apenas un par de momentos que contengan algo de brillantez.

Si como comedia naufraga, como exposición divulgativa del nacimiento de un deporte, exactitudes escenográficas aparte (como los uniformes de lana, por ejemplo), tampoco es gran cosa, dado que la idea termina reducida a un mero pretexto que la trama termina marginando, si no olvidando, y que únicamente responde a la necesidad de hacer coincidir a la pareja protagonista para contarnos un romance que tampoco funciona. Menos Martinis, amigo George.

Actor, director de cine, director teatral, dramaturgo, compositor e intérprete musical (tiene varios discos en el mercado), es otro ilustre hijo de Athens (Georgia), la localidad de R.E.M. o B-52, aunque muy pronto se trasladó a Chelsea (Michigan), lugar donde sigue viviendo actualmente en su deseo de alejarse de la vorágine del star-system de Hollywood, y donde mantiene su actividad teatral con el Purple Rose Theatre, para el que ha escrito una docena de piezas teatrales. Convertido en estrella en los 80 tras su debut en Ragtime (Milos Forman, 1981), su personaje en La fuerza del cariño (James L. Brooks, 1983) y su protagonismo en La rosa púrpura de El Cairo (Woody Allen, 1985), mantuvo el caché participando en cintas como Se acabó el pastel (Mike Nichols, 1986), Algo salvaje (Jonathan Demme, 1986) o Días de radio (Woody Allen, 1987).Sin embargo, alejado del ruido de la meca del cine, Daniels redujo durante los noventa sus apariciones en la gran pantalla y además en cintas de escasa repercusión e incluso calidad, exceptuando quizá el majestuoso telefilme Gettysburg (1993), muy por debajo de sus capacidades reales y más próximas en ocasiones al cine familiar que al arte cinematográfico. Películas como Aracnofobia, Speed, Una bruja en Nueva York, 101 dálmatas, Mi marciano favorito, Pleasantville o Dos tontos muy tontos son buena prueba de ello.

Con el nuevo siglo, Daniels, además de haber dirigido su primera película (Escanaba in da moonlight, 2001), parece querer recuperar el pulso de su carrera, y aunque se mantiene en el campo del más intrascendente cine familiar (por ejemplo, Vaya vacaciones), ha trabajado con Clint Eastwood (Deuda de sangre), Wayne Wang (Mi mejor amigo), Stephen Daldry (Las horas), George Clooney (Buenas noches y buena suerte) y nos ha regalado una extraordinaria interpretación en la magistral Una historia de Brooklyn (Noah Baumbach, 2005). Una buena noticia para los seguidores de este estupendo actor, cuya naturalidad, que traspasa la pantalla sin la menor dificultad, es su mayor virtud.

Esta película imposible de rodar tras los atentados del 11 de septiembre de 2001 se inspira directamente en el clásico de Brian G. Hutton Los violentos de Kelly (Kelly’s heroes, 1970), en la que una compañía de soldados del ejército norteamericano comandados por Telly Savalas, Clint Eastwood y Donald Sutherland en el frente francés durante la Segunda Guerra Mundial, aprovechaban los combates para echarle mano a una reserva de oro que los alemanes escondían en una pequeña ciudad francesa. Varias décadas y varias guerras más tarde, son George Clooney, Mark Wahlberg y el rapero Ice Cube los que, sin quererlo, se encuentran con una gran cantidad de oro iraquí en plena Primera Guerra del Golfo (1991) y se disponen, como buenos americanos, a embolsárselo sin que nadie repare en ello.

El mayor acierto de la película es la caracterización y evolución de los personajes. De los típicos americanos soberbios, despreocupados e inconscientes que pueblan sus tropas, los soldados poco a poco ven mermar su estupidez, su ingenuidad y su ambición al comprobar la crudeza de la guerra y el sufrimiento de los inocentes, y llegan a asumir una actitud más que escéptica sobre la actitud de su propio país y de su papel “liberador” en un país extranjero al que sus políticos han acudido a hacer negocios, con el respaldo correspondiente de la prensa militante, que también se lleva lo suyo.

Éste es el mensaje más apreciable en la cinta, la crítica a unos medios de comunicación complacientes con un poder por cuya causa manipulan las informaciones, ocultando los verdaderos datos sobre las bajas propias y minorando las ajenas, sosteniendo con falsedades los interesados discursos políticos, e ignorando fenómenos como la corrupción y los crímenes de las tropas de un presunto país democrático.