En un momento de Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino, Michael Madsen le dice a Harvey Keitel: “apuesto a que eres fan de Lee Marvin… Me encanta ese tío”. Lee Marvin es uno de los grandes tipos duros del cine, imagen del villano perverso, fuerte, de personalidad compleja alejada de los caricaturescos retratos habituales, brutal y violento, y también del héroe íntegro, voluntarioso, capaz, competente, digno y determinado de “el fin justifica los medios”, sin dejar de poseer una vis cómica muy desaprovechada que sacaba lo mejor de él y que, continuando en la línea de los detectives duros, cínicos e irónicos encarnados por Humphrey Bogart, o en versión ligera y refinada, William Powell, avanzaría ya la llegada del tipo duro positivo setentero lacónico, irónico y violento modelo Clint Eastwood-Harry Callahan.

Nacido en Nueva York en 1924 hijo de un ejecutivo publicitario y una periodista especializada en moda, hizo gala muy pronto de esa vena díscola con la que dio vida a algunos de sus personajes de malvado siendo expulsado de varios colegios a causa de su mal comportamiento. Como en tantos otros casos, fue el ejército el que encauzó el carácter rebelde del joven, y herido de guerra en 1944 en el frente del Pacífico (herida que le dejó secuelas permanentes en la espalda), se dedicó a los oficios más variopintos, entre ellos el de fontanero, forma un tanto exótica de entrar en contacto con el teatro, a través de una reparación de urgencia en el Teatro Municipal de Woodstock. Consumido por la vocación artística, interpretó pequeños papeles en el teatro y la televisión, llegando incluso a aparecer en algunos montajes de Broadway. Viendo que su carrera no terminaba de despegar, apostó por Hollywood, y allí empezó a dar vida a esos personajes oscuros, violentos pero carismáticos que sin ser protagonistas, daban cuerpo y personalidad a las películas donde aparecían (Duel at Silver Creek, 1952, Semínola, 1953, The big heat, con Fritz Lang, 1953, El motín del Caine, 1954, Conspiración de silencio, de John Sturges, 1955). Tras su papel para John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance (1962) se produce un salto cualitativo en su carrera. Sus papeles no varían demasiado, pero sí su dimensión dentro de cada película. Con Código del hampa (Don Siegel, 1964, revisión de Los forajidos de Robert Siodmak, basado en Los asesinos, el relato de Hemingway), Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965, western cómico junto a Jane Fonda en el que interpretaba un doble papel de héroe borracho y pistolero malvado que le valió el Oscar), Los Profesionales (Richard Brooks, 1966), Los doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), A quemarropa (John Boorman, 1967), Infierno en el Pacífico (John Boorman, 1968), La leyenda de la ciudad sin nombre (Joshua Logan, 1969) o Monte Walsh (William Fuest, 1970) se consagró como el mejor tipo duro del cine y se ganó por derecho propio un lugar entre los más grandes actores del cine de acción.

Tras este periodo de reconocimiento a su trabajo, llegó durante los años setenta la decadencia y el encasillamiento en productos del mismo género pero de cada vez menor nivel, con ocasionales destellos, como Gorky Park (Michael Apted, 1983). Falleció de un repentino ataque al corazón en 1987. Su último tabajo fue junto a Chuck Norris en la película de comandos Delta Force.

Cualquier cosa que se diga de este mito vivo del celuloide sesenta y pico años después de su estreno, tras haber convertido gran parte de sus imágenes en verdaderos iconos culturales del siglo XX, a la altura de las obras pictóricas, escultóricas, arquitectónicas o literarias más célebres del planeta, está de más. El inmortal drama romántico de Rick e Ilsa, de Victor y del inspector Renault, de Ferrari y Ugarte, de Sam tocando otra vez As times goes by, de los refugiados políticos pasando otra noche en Rick’s con el corazón en un puño por el deseo de poder marchar al día siguiente en el avión de Lisboa, de los salvoconductos que significan una huida segura, de nazis arrogantes y de La Marsellesa a lágrima viva, no precisa de más palabras. Sus 102 minutos se bastan para decirlo todo.

Tamaño: 67 x 88 cm.

Precio: 12,90 euros

Fuente: Allposters

Libro imprescindible para quien ame el cine, Conversaciones con Billy Wilder es ya todo un clásico de la literatura cinematográfica. Fruto de interminables charlas entre el genial cineasta y el también director Cameron Crowe (Jerry Maguire, Almost famous, Vanilla Sky), el legendario autor austriaco accede a hablar por vez primera extensamente de su trayectoria profesional, del proceso de concepción y rodaje de sus películas, haciendo gala de su particular sentido del humor y con multitud de anécdotas, recuerdos, ideas y secretos referidos a sus grandes películas y también a los actores y actrices que en ellas aparecieron.

Wilder (Perdición, Días sin huella, El crepúsculo de los dioses, El apartamento, En bandeja de plata, Primera plana…) se expresa con una agudeza y brillantez que recuerdan la lucidez de sus mejores guiones, se muestra divertido, ocurrente, sagaz e ingenioso. Durante la conversación, el cineasta no deja de mostrar su talento cuando evoca los distintos procesos creativos que abordó, para los cuales creó, solo o en colaboración, probablemente la mejor colección de guiones que puedan adornar la carrera de un director.

Rico en anécdotas y en referencias, no ya de la propia vida de Wilder, sino también sobre el mundo del cine, Hollywood, las estrellas, los actores y actrices que trabajaron para él (Bogart, Marilyn Monroe, Jack Lemmon, y un larguísimo etcétera) y los entresijos de sus películas, es un modo inmejorable de acercarse a la obra de este genio que figura con derecho propio entre los grandes creadores del arte cinematográfico.

Título: Conversaciones con Billy Wilder
Autor: Cameron Crowe
Editorial: Alianza
Comprar: Agapea
Precio: 44,30 euros (9,45 euros en edición de bolsillo)