En un momento de Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino, Michael Madsen le dice a Harvey Keitel: “apuesto a que eres fan de Lee Marvin… Me encanta ese tío”. Lee Marvin es uno de los grandes tipos duros del cine, imagen del villano perverso, fuerte, de personalidad compleja alejada de los caricaturescos retratos habituales, brutal y violento, y también del héroe íntegro, voluntarioso, capaz, competente, digno y determinado de “el fin justifica los medios”, sin dejar de poseer una vis cómica muy desaprovechada que sacaba lo mejor de él y que, continuando en la línea de los detectives duros, cínicos e irónicos encarnados por Humphrey Bogart, o en versión ligera y refinada, William Powell, avanzaría ya la llegada del tipo duro positivo setentero lacónico, irónico y violento modelo Clint Eastwood-Harry Callahan.

Nacido en Nueva York en 1924 hijo de un ejecutivo publicitario y una periodista especializada en moda, hizo gala muy pronto de esa vena díscola con la que dio vida a algunos de sus personajes de malvado siendo expulsado de varios colegios a causa de su mal comportamiento. Como en tantos otros casos, fue el ejército el que encauzó el carácter rebelde del joven, y herido de guerra en 1944 en el frente del Pacífico (herida que le dejó secuelas permanentes en la espalda), se dedicó a los oficios más variopintos, entre ellos el de fontanero, forma un tanto exótica de entrar en contacto con el teatro, a través de una reparación de urgencia en el Teatro Municipal de Woodstock. Consumido por la vocación artística, interpretó pequeños papeles en el teatro y la televisión, llegando incluso a aparecer en algunos montajes de Broadway. Viendo que su carrera no terminaba de despegar, apostó por Hollywood, y allí empezó a dar vida a esos personajes oscuros, violentos pero carismáticos que sin ser protagonistas, daban cuerpo y personalidad a las películas donde aparecían (Duel at Silver Creek, 1952, Semínola, 1953, The big heat, con Fritz Lang, 1953, El motín del Caine, 1954, Conspiración de silencio, de John Sturges, 1955). Tras su papel para John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance (1962) se produce un salto cualitativo en su carrera. Sus papeles no varían demasiado, pero sí su dimensión dentro de cada película. Con Código del hampa (Don Siegel, 1964, revisión de Los forajidos de Robert Siodmak, basado en Los asesinos, el relato de Hemingway), Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965, western cómico junto a Jane Fonda en el que interpretaba un doble papel de héroe borracho y pistolero malvado que le valió el Oscar), Los Profesionales (Richard Brooks, 1966), Los doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), A quemarropa (John Boorman, 1967), Infierno en el Pacífico (John Boorman, 1968), La leyenda de la ciudad sin nombre (Joshua Logan, 1969) o Monte Walsh (William Fuest, 1970) se consagró como el mejor tipo duro del cine y se ganó por derecho propio un lugar entre los más grandes actores del cine de acción.

Tras este periodo de reconocimiento a su trabajo, llegó durante los años setenta la decadencia y el encasillamiento en productos del mismo género pero de cada vez menor nivel, con ocasionales destellos, como Gorky Park (Michael Apted, 1983). Falleció de un repentino ataque al corazón en 1987. Su último tabajo fue junto a Chuck Norris en la película de comandos Delta Force.

Uno de los ejercicios más estériles y absurdos es la confección de listas de “lo mejor de”, esas compilaciones de títulos, autores, intérpretes, géneros o años con las que de vez en cuando nos acogotan para decirnos lo que es bueno o malo, generalmente con criterios puramente subjetivos, si no arbitrarios, y que suelen dejar fuera gran parte de las obras que pretenden categorizar, de forma que, al igual que sucede con los periódicos, lo que no cabe en ellas, simplemente, no está, no existe.

El American Film Institute, especialista en editar cada cierto tiempo una de estas listas con las mejores películas de toda la Historia (o sea, de ciento y poco años), casi en exclusiva cintas de origen norteamericano (con el fenomenal banco de pesca que supone, casi tan maravilloso como lo que se deja fuera), ha vuelto a editar una de esas estúpidas clasficaciones, esta vez consagrando las diez mejores películas de cada género cinematográfico.

Las agraciadas esta vez con la inmortalidad de aparecer en semejante despropósito (como si les hiciera falta) son Centauros del desierto (John Ford, 1956) como mejor western de todos los tiempos, Luces de la ciudad (Charles Chaplin, 1931), como mejor cinta romántica, 2oo1, una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968), como mejor obra de ciencia ficción, Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), como mejor filme épico, El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), como mejor historia de gángsters, Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) vence en la categoría de cine de misterio, Blancanieves (Walt Disney, 1938) en animación y Matar un ruiseñor (Robert Mulligan, 1962) en la de juicios y tribunales. Aparentemente hecha con todo rigor, la lista despierta el más puro y lógico escepticismo cuando vemos que en la categoría de deportes la ganadora ha sido… ¡¡¡ Toro salvaje (Martin Scorsese, 1980) !!!

En resumen, otro ejercicio gratuito, absurdo e innecesario. Porque, por poner un ejemplo, Centauros del desierto tiene forma de western, sí. Pero, ¿acaso no es mucho más que eso?

Concebida como el cierre de su Trilogía de la Caballería (junto a Fort Apache, de 1948 y La legión invencible –She wore a yellow ribbon- , de 1949), fue un encargo aceptado por Ford para garantizar la financiación de su posterior y personalísima El hombre tranquilo.

Lejos de la visión equidistante y la comprensión hacia la causa india de otros filmes, Ford establece esta vez una típica película de buenos (la caballería) y malos (los apaches venidos de México con la intención de secuestrar mujeres y niños blancos, en un claro antecedente de Centauros del desierto, rodada seis años más tarde, aunque desde un punto de vista más superficial, menos psicológico), en la que las persecuciones a caballo y los disparos sirven de contrapunto a la intimista historia del capitán York (John Wayne) y su esposa (Maureen O’Hara), reconciliados tras una separación por el bien de la educación de su hijo.

Acompañado por algunos de sus habituales (Wayne, Ben Johnson, Victor McLaglen), Ford nos ofrece un western ‘menor’ (si ese calificativo puede utilizarse en el cine del maestro) en el que se concentra en la mera acción y abandona el tono mitificante o elegíaco sobre la caballería empleado en otras cintas, aunque mantiene la imagen de héroes sencillos y humanos (sobre todo en las escenas de la vida cotidiana en el fuerte, las bromas y la camaradería) siempre dispuestos al máximo sacrificio, que ofrece en su cine.

Sepultada bajo la sombra de sus grandes clásicos, este western de 1950, rodado en blanco y negro, contiene todas las notas habituales de Ford, sus historias humanas, sus panorámicas de fenomenales espacios naturales y la nostalgia apuntada mediante el uso de músicas populares.

La obra maestra de John Ford filmada en 1946, My darling Clementine (título según la canción popular norteamericana y convertida en España en Pasión de los fuertes), protagonizada por Henry Fonda, Victor Mature y Walter Brennan y basada en el mítico tiroteo entre los hermanos Earp, ayudados por el dentista y jugador Doc Hollyday, y la banda de los Clanton, acaecido en el O.K. Corral de Tombstone, Arizona, el 26 de octubre de 1881, bien merecía una edición de lujo a la altura de la inmortal calidad de la película.

Única de las múltiples versiones de esta misma historia que contó con el testimonio del propio Wyatt Earp puesto de manifiesto en la biografía escrita por Stuart N. Lake, está editada en dos discos. La cuidada edición incluye como extras el comentario a cargo del mismísimo Wyatt Earp (que en sus últimos años trabajó como periodista y cronista deportivo, entre otras cosas), una versión alternativa, un documental sobre la edición, el tráiler y una estupenda galería de fotos.

Lo que llama verdaderamente la atención es el cuidado en la elección de los colores y la decoración de la caja, las fotografías escogidas y el desplegable interior que, simulando la edición de un periódico de una ciudad de frontera de la época, incluye fotografías del rodaje, foto-fijas de la película, y algunos comentarios y curiosidades de esta gran obra maestra imperecedera. Una edición de lujo para pleno disfrute de los buenos cinéfilos.

Fuente: Jesús Gella

comprar : MD Movies Distribución