Antecedente directo del cine cutre, machista, descerebrado, vulgar, zafio y de humor de trazo grueso que Santiago Segura ha contribuido a popularizar con su saga Torrente, Las aventuras de Ford Fairlane constituye uno de esos raros casos en los que una película contiene todas las notas para provocar el vómito en el espectador (la matrícula del coche de la foto lo dice todo), y sin embargo, ya sea por desesperación o por conexión subterránea con el mundo un tanto particular en el que transcurre, goza de gran éxito entre cinéfilos de todo el planeta, hasta el punto de ser considerado en algunos foros como clásico de culto, a pesar de su abierta misoginia, de las pésimas interpretaciones, de una puesta en escena de serie Z (y porque no hay más letras), su trama demencial y a que quizá sea la cinta que más lenguaje malsonante contiene en su guión, dejando a Quentin Tarantino reducido a la categoría de niño cantor de Viena.

Absurda, ridícula, infame, abominable, y sin embargo, la historia del chulesco detective cuya plácida existencia entre estrellas del rock y groupies calentonas y tuneadas da un giro cuando una celebridad del rock muere asesinada en el escenario, funciona. Como motivo para el descojone continuo gracias a su estupidez, su humor entre genial y estúpido, sus diálogos entre repugnantes y (toda una sorpresa) cómicamente lúcidos y sin que importe lo más mínimo el cúmulo de idioteces supinas que se suceden en el metraje, pero funciona.

Lauren Holly y Priscilla Presley son los bustos parlantes de la cinta, con Robert Englund, el ‘Freddy’ de Pesadilla en Elm Street como actor más reconocible entre los secundarios, pero el protagonismo total es para Andrew Dice Clay (encasillado para siempre en ese personaje y doblado magistralmente, tanto que mejora al original, en la versión española por Pablo Carbonell, no perdérselo) como el detective rockanrolero con tupé y chupa de cuero en una parodia evidente del John Travolta más lamentable que, a los mandos de su mítico Ford va sembrando la ciudad de su ironía casposa haciendo apología del mundo friki. Sin embargo, para muchos adolescentes de principios de los noventa, este pestiño de Renny Harlin (Pesadilla en Elm Street 4, La jungla de cristal 2, Máximo riesgo, Memoria letal, Deep blue sea, El exorcista: el comienzo, entre otras perlas), es una auténtica obra de culto que ha impregnado en la memoria colectiva.

El director Cameron Crowe (Jerry Maguire, Vanilla Sky), filmó en 2000 el viaje en el tiempo hacia su propio pasado y a simultáneamente su homenaje a una época irrepetible. Tomando como punto de origen su propia experiencia personal, Crowe relata en Casi famosos la historia de un joven de apenas diecisiete años, amante de la música y escritor aficionado de críticas que despierta gracias a sus trabajos el interés de la populosa revista Rolling Stone, que le contrata inmediatamente como cronista de la gira que emprende una célebre banda de rock. La película transita por su experiencia, a modo de viaje iniciático, desde la oposición de sus padres a que él, menor de edad, alterne con desconocidos a los que imaginan inmersos en el mundo de las drogas, el alcohol, el sexo, y en general todas y cada una de las otras connotaciones del supuesto caos vital, hasta el crecimiento interior y el nacimiento del amor gracias a una particular groupie de las que siguen al grupo a lo largo y ancho del país.

Con un reparto más que aceptable (Billy Crudup, Frances McDormand, Kate Hudson, Anna Paquin o Philip Seymour Hoffman), Crowe destila nostalgia, amor por la música y por su ambiente repleto de personajes extraordinarios, fans un tanto frikis, virtuosos amantes de la música, y algún que otro canalla. La película, que inevitablemente retrotrae al mítico mundo de la música de los sesenta y setenta, es una aproximación amable y simpática salpicada de cierta amargura por un tiempo que ya no volverá en esta nueva era de los artistas de plástico, el reclamo del sexo embuchado para la venta de música y la creación musical a cargo de ingenieros de sonido de las discográficas o los concursos de televisión que crean ídolos de cartón piedra. Con un argumento espléndido y excelentemente escrito, la película resulta divertida a la par que nos introduce de una forma realista, veraz y apasionante en las interesantes entrañas del fenómeno musical de masas, todo adornado con una selección musical de primera categoría, frases de diálogo que algún día se considerarán clásicas, y magníficos gags y situaciones de guión perfectamente estructurados y realmente cautivadores.

Un canto a la nostalgia que puede apreciarse en esta escena al son de Elton John y su Tiny dancer, que simboliza apropiadamente la filosofía de la cinta de Cameron Crowe, que consiguió con Casi famosos su mejor trabajo hasta la fecha.

Beyond the sea, debut tras la cámara de Kevin Spacey, que además se reserva el papel protagonista, es el biopic del popular cantante norteamericano Bobby Darin, de nombre real Walden Robert Cassotto. Proyecto personalísimo del actor, cuenta la historia de Darin desde su infancia de niño enfermizo en el Bronx neoyorquino, su descubrimiento de la música, su llegada al estrellato, su rivalidad con Frank Sinatra, su carrera en el cine (nominación como actor de reparto a los Oscar por Captain Newman incluida) y su historia de amor con Sandra Dee (Kate Bosworth), así como su decadencia personal y profesional en los sesenta tras haber creado algunos de los más populares hits de la música norteamericana, como el tema que da título a la película, Beyond the sea, que no es sino una versión de la canción francesa La mer, de Charles Trenet.

Considerado por algunos el mejor papel en su carrera como actor, Spacey afronta el duro reto de interpretar los temas de Darin con su propia voz, y en verdad sale más que airoso, aunque resulte un tanto talludito para dar el pego como el exitoso cantante. Sin embargo, la película realmente llega poco más allá de constatar las enormes cualidades de Spacey como actor (acompañado en el reparto por nombres tan importantes como Bob Hoskins, Brenda Blethyn o John Goodman). La cinta nace de un antojo irresistible, de una pasión desmedida, de un deseo incontenible del propio Spacey, pero resulta confusa, atropellada, demasiado estática, aunque el estilo y la elegancia (sobre todo gracias a la fotografía de Eduardo Serra) hacen que, sobre todo durante las escenas de los conciertos, la película interese, aunque quizá durante algunos momentos llegue a aburrir, sobre todo al espectador al que no le interesen las hagiografías de personajes norteamericanos contemporáneos, y menos aún si la intención es la glorificación de la figura de un cantante que siempre ha permanecido a la sombra de grandes nombres como Elvis, Ray Charles o el propio Sinatra.

Tres de las caracterizaciones de Christopher Lee en sus interpretaciones para los clásicos de terror de la Hammer son utilizadas en una nueva serie de sellos emitida con motivo del 50 aniversario de la célebre productora británica. En concreto La Criatura, La momia y El conde Drácula con los rasgos del actor inglés, que acaba de cumplir 86 años, serán los únicos seres “de carne y hueso” inmortalizados en los sellos británicos junto a la Familia Real. Se da la casualidad de que todo quedará en “familia”, puesto que la reina Isabel es nada más y nada menos que descendiente directa de los antiguos soberanos de Transilvania, entre ellos el famoso Vlad Tepes “el Empalador” (que no debía su sobrenombre precisamente a sus hazañas sexuales, sino a su costumbre de empalar sobre enormes estacas a los enemigos, generalmente turcos, vencidos en el campo de batalla), personaje histórico que junto a la condesa húngara Bathory utilizó Bram Stoker para crear al famoso vampiro.

Por otro lado, Lee no ha abandonado en ningún momento su afición por el terror. Desde hace tiempo es una amenaza para los oídos merced a su carrera musical, cuyo último disco, Revelation, es una nueva muestra del horror tan querido al actor inglés, en este caso cercana a la música española, tan querida para él (nótese la aparición del cuadro flamenco de la portada del disco, un horror en sí mismo que advierte del contenido por sí solo), como todo lo español en general (de hecho habla el idioma casi a la perfección). Lee apunta maneras, no obstante, nos parece algo peligroso aguantar un disco entero de sus canciones sin ayuda psicotrópica. Aunque por dignidad en la interpretación, voluntad y calidad supere a la gran mayoría de los presuntos cantantes surgidos de programas de televisión.

Hans Zimmer es uno de los más habituales y prolíficos en las bandas sonoras del cine norteamericano reciente. Caracterizado por la síntesis de los nuevos sonidos electrónicos con la tradicional orquestación musical para el cine, tras sus estudios en Londres se sumergió en el mundo de la denominada new wave participando en diferentes proyectos junto a varios músicos y bandas. En cuanto al cine, su debut en la banda sonora de Rain Man (Barry Levinson, 1988) sorprendió, y se consagró al año siguiente con Mi hermosa lavandería (Stephen Frears), Black Rain (Ridley Scott), Paseando a Miss Daisy (Bruce Beresford) o Días de trueno (Tony Scott).

Además de múltiples colaboraciones con Disney para sus películas de dibujos animados (El rey león, El príncipe de Egipto, Magadascar o Spirit, entre otras), ha participado en sagas como Piratas del Caribe y en varias cintas de los hermanos Scott (Gladiator, Thelma & Louise, Blackhawk derribado, Amor a quemarropa…), siendo un fijo del cine de acción (La roca, Marea roja, Llamaradas, Misión imposible II, El último samurái, Batman begins, El código Da Vinci o The dark knight y habiendo realizado incursiones en el drama (La casa de los espíritus), la comedia (Spanglish) o el thriller (Hannibal), además de en la versión cinematográfica de The Simpsons. Su mejor trabajo para muchos sigue siendo la música compuesta para la película de Terrence Malick La delgada línea roja (1998), con su combinación de melodías, coros y música tradicional del Pacífico con las orquestaciones más comunes al cine bélico, aunque entre las más recordadas figure en un puesto privilegiado la melodía de Amor a quemarropa, versión no reconocida de la música de Malas tierras (Badlands, 1973, del propio Malick).

Mientras la publicidad nos mete por los ojos el ramplón concierto de los Rolling Stones rodado por Scorsese, ha llegado al cine una verdadera película de culto a la música y a los genios de la música, eso sí, con una traducción absurda de su título original. Julian Temple, especializado en documentales musicales (El ruido y la furia, con Sex Pistols) y afamado director de video clips, lleva a la pantalla la figura mítica de John Mellor, joven inglés nacido en Turquía más conocido como Joe Strummer, legendario líder de The Clash, músico contradictorio, irreverente, vitalista, rebelde, autodestructivo, enérgico y profundamente melancólico. La película, que va más allá de la mera recreación biográfica por capítulos, logra mimetizarse con el carisma y el poder del personaje.

Con un amplio material de archivo que incluye grabaciones inéditas para la BBC, actuaciones en directo que aún no habían visto la luz, entrevistas y conversaciones con grandes nombres de la música (Bono, Steve Jones, Courtney Love, Sara Driver…) y del cine (Scorsese, Matt Dillon, Johnny Depp, John Cusack, Steve Buscemi, Jim Jarmusch…), Temple retrata un mito que hoy en día sigue siendo la primera influencia del punk-rock mundial, que se inmortalizó con The Clash y fue precursor con The Mescaleros. Pero lejos de realizar una elegía laudatoria, la película recoge las grandes contradicciones y oscuridades del personaje, no especulando o suponiendo, sino a través de los testimonios de quienes le conocieron.

La gran virtud de la película es haber asumido la energía del personaje para la vibrante exposición de su contenido, además de conseguir que las etapas menos mediáticas del personaje, una vez fuera de The Clash y ya crecidito resulten tanto o más interesantes que la narración de aquellos años en que Joe Strummer se convirtió en mito.

La última película de Wong Kar-Wai, My blueberry nights, protagonizada por Jude Law, David Strathairn, Natalie Portman y Rachel Weisz, cuenta, como es ya habitual en el director de cine chino, con una más que apreciable banda sonora que, en la primera cinta en inglés que dirige el hongkonés, hace un repaso por lo mejor de la música americana: jazz, rythm and blues, rock, e incluso un tema inédito de Norah Jones, que también actúa en la película, y titulado The Story. La riqueza y la variedad de temas y melodías que la componen, entre las que se encuentran, por ejemplo, Otis Redding (Try a little tenderless), Cat Power (Linvig proof, The Greatest), Cassandra Wilson (Harvest moon), Amos Lee (Skipping Stone) o Ruth Brown (Looking back), además de un tema del compositor argentino Gustavo Santaolalla y tres del gran Ry Cooder, hacen de esta recopilación un compendio que puede gozar de vida propia más allá de las imágenes de la película.

Según el director, la elección de las canciones fue producto de los sucesivos viajes de costa a costa de Estados Unidos que el mismo realizó previamente al rodaje de la película. Sin duda, la música será, una vez más, un extraordinario acompañamiento para el siempre interesante cine de Wong Kar-Wai.

Título: Shine a light

Tamaño: 69 x 104 cm

El documental, dirigido en 2007 por Martin Scorsese, recoge imágenes y vivencias del tour “A Bigger Band” de los Rolling Stones. En la gira se sucedieron todo tipo de incidentes, anécdotas y momentos estelares para los míticos roqueros y para la música en general.

Durante el pasado Festival de Cannes el grupo de rock irlandés U2 sorprendió con un concierto no previsto sobre la alfombra roja del Gran Teatro Lumière para promocionar el pre-estreno de la película que, rodada en formato 3D, se realizó acerca de la gira Vertigo-Tour que el grupo emprendió en 2007.

U23D, oficialmente estrenada en el Festival de Sundance del pasado enero, es toda una experiencia visual que intenta recrear en el espectador cómodamente sentado en su butaca las sensaciones de la mejor música en vivo. Utilizando material recogido de los conciertos de la banda celebrados en México, Brasil, Chile y Argentina durante el primer trimestre del año pasado, pretende iniciar el camino hacia una revolución en la industria que lleve a una profundización en el estudio de los medios y resultados del uso del sistema de tres dimensiones, a través de ángulos de cámara que se remontan sobre audiencias de hasta 80.000 personas, zooms llevados al límite a pocos centímetros de los músicos, y elaborados planos desde el escenario sobre la multitud.

En cuanto al estreno en España, aunque se manejan fechas del próximo mes de mayo, National Geographic, titular de los derechos para Europa, no ha cerrado contratos con ninguna distribuidora, lo que no parece fácil dado que la intención de los productores es lanzar la película mundialmente en unas mil salas equipadas necesariamente con sistema de proyección digital.

Fuente: Kinépolis.