Nueva York, 1936. Mientras en Europa se larva la peor conflagración bélica de la Historia con su prólogo en la guerra civil española, los Estados Unidos más comprometidos con la causa de la libertad en el mundo hasta la fecha, los de los años 30, intentan imponer a sus gobernantes y al statu quo económico, que hasta entonces contemporiza con el fascismo italiano y el nazismo alemán y les suministra material bélico y productos manufacturados y que admira a Hitler por constituirse en baluarte anticomunista, la misión de la defensa de la libertad contra el totalitarismo como guía en su política internacional. La ciudad es un convulso mosaico en el que personajes de toda índole deambulan en un clima político cada vez más efervescente: obreros manifestantes en demanda de trabajo y pan en plena crisis post-depresión, actores en paro, vagabundos sin un medio de vida, millonarios inconscientes, buitres de Wall Street, pintores geniales, obreros que buscan trabajo, autores teatrales en busca de inspiración… Uno de ellos, Marc Blitzstein (interpretado por Hank Azaria –en el centro de la foto-, doblador habitual de la serie de dibujos animados The Simpsons), autor de comedias judío y comunista, viudo reciente (inspirado por las espectrales apariciones de su esposa fallecida y del dramaturgo Bertold Brecht) e imbuido del clima reivindicativo, idea un musical, Cradle will rock, en el que el protagonista es un líder obrero que se enfrenta a la tiranía del poder capitalista establecido, y que, gracias al Programa de Teatro Federal establecido por el gobierno Roosevelt para, por un lado conseguir emplear a una parte sustancial de los actores, directores teatrales, escritores, técnicos, expertos en los más diversos oficios, coreógrafos, bailarines, etc., desempleados por culpa de la Gran Depresión, y por otro, de proporcionar diversiones a un público castigado por la situación económica. Sin embargo, y a pesar de contar con profesionales como el joven director teatral Orson Welles (interpretado muy solventemente por Angus Macfadyen –derecha de la foto superior-), la tendencia combativa y reivindicativa de un argumento en el que, en plena fiebre anticomunista, los obreros son retratados como personajes positivos y los capitalistas como los “malos”, hace que los poderes fácticos, encarnados en William Randolph Hearst (en un antecedente directo a su posterior enfrentamiento con Welles a raíz de Ciudadano Kane) y Nelson Rockefeller (John Cusack) impidan por todos los medios el estreno de una obra subversiva, aunque no podrán conseguir que se estrene igualmente en un final apoteósico con uno de los planos finales más memorables del cine de las últimas décadas. La película, basada en un historia real, es una alegoría de la unión entre artistas y obreros en beneficio de la libertad de expresión y contra el pensamiento único.

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Este interesante thriller debut de Mark Pellington en la dirección (el mismo director de Mothman: la última profecía o el musical U23D) es, o pretende ser, un compendio de muchas cosas: película de intriga montada sobre un misterio vecinal, un suspense político y un drama psicológico, a la vez que se inscribe dentro de esa corriente tan exitosa de finales de los noventa que implica un final sorpresa, completamente inesperado por el espectador, que es continuamente manipulado y dirigido hacia una expectativa que finalmente es truncada con otro final por completo distinto pero igualmente esperable con una asimilación objetiva, y no tendenciosa, del planteamiento de la acción.

La historia nos presenta a Michael (Jeff Bridges), un profesor experto en cuestiones de terrorismo y movimientos políticos violentos que, tras la muerte de su esposa, intenta sobrevivir al trauma en compañía de su hijo y de una alumna que además es amante. Los nuevos vecinos (Tim Robbins, Joan Cusack) tienen hijos de la edad de Grant, y por ello poco a poco entablan una amistad, aunque paulatinamente Michael empieza a sospechar de ellos, intuye que algo ocultan, que esconden un secreto. Nadie parece entender sus sospechas, y cuando llega a pensar que incluso tienen que ver con el accidente que costó la vida a su esposa, todos lo interpretan como un delirio. Sin embargo, no se equivoca del todo.

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Lo que atrae especialmente de esta película, que por su tema principal anda muy alejada del interés de gran parte del público, como de quien escribe sin ir más lejos, es la perfección de su guión y la soltura y sutil elegancia con la que Stephen Frears se mueve en un terreno resbaladizo, si no pantanoso. Porque en su acercamiento a los acontecimientos que siguieron a la muerte en París de la antigua esposa del Príncipe Carlos, a mitad de camino entre la política de Estado y los ecos de sociedad, logra mantener un sobrio equilibrio no exento de ácida crítica y de una perspectiva abiertamente irónica.

La historia, tratada con inteligencia y tacto, nos ofrece la evolución de los acontecimientos dentro y fuera de Palacio, en el interior de la familia real y en Downing Street, con un Tony Blair laborista (lo más parecido que tienen en las islas británicas al pensamiento de izquierdas) recién convertido en Primer Ministro que debe bregar con las absurdas tradiciones y límites de una monarquía fosilizada y la conmoción de un pueblo ante una desgracia nacional. El guión y el magnífico trabajo de los actores (James Cromwell, Michael Sheen, y una Helen Mirren superlativa), permiten dibujar a la perfección los personajes y las diversas situaciones de manera aguda, inteligente y muy entretenida, logrando conjurar todos los peligros de tratar una historia demasiado reciente con personajes que todavía viven y son protagonistas, logrando que los caracteres de la película sustituyan sin mucho esfuerzo a rostros que son verdaderos iconos del mundo contemporáneo, mérito también del equipo de dirección artística, estilismo, maquillaje, peluquería y vestuario.

Interesante aportación del cine europeo al cine político, si bien como extraño híbrido de crónica política, prensa rosa y panegírico hagiográfico de la figura de Diana Spencer, uno de los iconos de la segunda mitad del siglo XX para muchos, o personaje al que los intereses económicos y los artificios de la moda convirtieron en desmesurado obviando su real (y conveniente) irrelevancia.

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Los componentes de una banda de música egipcia aparecen, perdidos y desorientados, en una pequeña y aislada ciudad israelí. ¿Qué puede resultar del cruce de un grupo de músicos de la policía de Alejandría con los colonos judíos en mitad del mayor polvorín del planeta? Donde cualquiera pudiera haber previsto una película políticamente militante, cargada de ideología y simbolismos partidarios o morales, Eran Kolirin apuesta por la verdadera naturaleza del ser humano. Sin hostilidad ni recelos, unos y otros abrirán sus corazones durante el breve tiempo que van a convivir, demostrando que los sentimientos humanos, con sus pequeñas tragedias y comedias, están por encima de las hipocresías políticas.Aparentemente ingenua pero muy perturbadora, el humor y el clima amable de La banda nos visita, sin entrar en ningún momento en cuestiones políticas, nos reconforta tanto como nos remueve algo por dentro al enlazar la bella historia de la cinta con las imágenes que los medios nos ofrecen de la zona. Las diferencias culturales, las discrepancias de sus gobiernos, el pasado sangriento de sus países, no impiden a los individuos confraternizar, compartir. La forma que tiene Kolirin de mostrar la historia, con sus silencios, sus miradas sutiles, sus pequeños gestos, es deliciosa.

La película, que no pudo concursar en los Oscar al estar hablada en inglés en la mayor parte de su metraje (idioma que utilizan ambas comunidades para cohabitar), parte de los propios recuerdos del director, cuando en su infancia la televisión israelí emitía películas egipcias acompañadas de sesiones de conciertos de bandas de música de aquel país, algo que hoy resulta complicado de ver. De la nostalgia de aquella normalidad, de aquella interacción pacífica egipcio-israelí, nació una película que es una fábula a favor de tender puentes hacia los demás.

Tras el gran éxito de Carrie, basada en la novela de Stephen King, Brian de Palma hurgó en la veta del cine con connotaciones fantástico-terroríficas con esta historia a medio camino entre el thriller político y el terror sobrenatural. La trama nos muestra la angustia de un empleado del gobierno norteamericano (un Kirk Douglas ya muy veterano pero que pese a su edad da un recital como héroe de acción) cuando su hijo, un joven con poderes telequinéticos, desaparece sin dejar rastro. El padre intenta encontrarlo por todos los medios, pero sin pistas, termina por acudir a una joven (Amy Irving) que comparte esos poderes y le revela que su hijo está en poder de una oscura agencia secreta del gobierno norteamericano que intenta encauzar tan particular capacidad hacia empleos de carácter estratégico o de espionaje y que dirige además un amigo de Douglas (un magnífico John Cassavetes que necesitaba recaudar dinero actuando en películas comerciales para financiar sus proyectos como director).

A pesar de ciertas indudables virtudes de la película (Douglas como algo ajado pero efectivo héroe de acción, la excelente música de John Williams, escenas sueltas que resultan realmente brillantes, la maestría de De Palma en el manejo de la cámara…), la película difícilmente supera la categoría de plagio a sí mismo, y se remite demasiado a su antecesora. Construida como una mera sucesión de escenas, algunas brillantes, otras tontas, otras incluso repelentes, la película no llega a funcionar como un todo sólido, y la extraña mezcla entre thriller de acción y fantasía no termina de funcionar.

Un gran Cassavetes no logra salvar una película para la que la extrema inverosimilitud de la historia y lo deslabazado de su desarrollo resultan un baldón demasiado grande. Para ver una vez.

A la cinematografía española le cuesta mucho explorar géneros que en otras latitudes son, sin embargo, pieza fundamental de sus producciones fílmicas. El thriller político es uno de ellos, y por eso hay que valorar el esfuerzo de la directora Patricia Ferreira (que más adelante exploró la vena del thriller con la adaptación de El alquimista impaciente, la novela de Lorenzo Silva) por llevar a la pantalla una intriga que mezcla acción y drama sentimental con secretos políticos relacionados con una etapa relativamente reciente como es la transición española y que sigue incomodando a muchos que pueden darse por aludidos.

Paloma (Ana Fernández) es una joven psiquiatra que se hace cargo de un hospital en Galicia. Uno de sus pacientes, Mario (Miguel Ángel Solá) resulta un objeto de estudio interesante debido a su extraña dolencia, el síndrome de Korsakov, por el que padece lagunas de memoria rotas por recuerdos repentinos y turbadores. La investigación de Paloma, su zambullida en el pasado de Mario le acerca más a él, pero también la sumerge en un pasado que hay quien no quiere que salga a la luz y que proviene de los convulsos años setenta españoles, de las tendencias involucionistas que amenazaron los balbucientes instantes del nacimiento de la democracia.

Película sólida, arriesgada, sin recovecos de guión ni trampas de argumento, interesante, muy bien interpretada (secundarios de lujo como Héctor Alterio o Mercedes Sampietro acompañan a rostros eficaces como Roberto Enríquez o Ingrid Rubio) que aborda un tema difícil, duro aún de recordar para muchos, y pesadilla a olvidar o a camuflar para otros.

Mike Nichols, director de filmografía más que destacable, vuelve con esta película ácida y mordaz sobre la baja política en las altas esferas del poder norteamericano. Este drama en torno a la operación secreta que debía prestar apoyo estadounidense al bando rebelde (encabezado, entre otros, por Bin Laden) en plena invasión soviética de Afganistán, cuenta la historia de un congresista amante de la buena vida (Tom Hanks), una mujer de la aristocracia texana dispuesta a combinar su anticomunismo con una visión altruista de las cosas (Julia Roberts) y un oscuro y curioso agente de la CIA que se presta al juego de introducir ocultamente a Estados Unidos en la guerra(Philip Seymour Hoffman, nominado a un Oscar por este papel, que supera holgadamente en calidad interpretativa a sus excesivos compañeros).

Inteligente y divertida, ofrece toda una lección comprimida acerca del inframundo de la política, la guerra, y los intereses y ambiciones personales. Con un cinismo arrollador y unos diálogos agudos e ingeniosos que radiografían mejor que ningún otro elemento la falta de escrúpulos en razón de los objetivos, quizá adolece de cierta ambigüedad ideológica que resta credibilidad al ejercicio de autocrítica y sinceridad que plasma la novela de George Crile de la que parte Nichols.

Con todo, una interesante película que, si bien de manera incomprensible se ha catalogado e incluso publicitado como comedia (aunque algunos momentos puntuales lo justifiquen), es un amargo retrato de las consecuencias del juego de intereses en la mejor tradición del cine político, aunque muy alejado, a causa de su falta de ambición, de la doble moral que exhibe y de ciertos mensajes subliminales fruto de su autocensurado límite crítico, de las grandes obras del género.