Cualquier cosa que se diga de este mito vivo del celuloide sesenta y pico años después de su estreno, tras haber convertido gran parte de sus imágenes en verdaderos iconos culturales del siglo XX, a la altura de las obras pictóricas, escultóricas, arquitectónicas o literarias más célebres del planeta, está de más. El inmortal drama romántico de Rick e Ilsa, de Victor y del inspector Renault, de Ferrari y Ugarte, de Sam tocando otra vez As times goes by, de los refugiados políticos pasando otra noche en Rick’s con el corazón en un puño por el deseo de poder marchar al día siguiente en el avión de Lisboa, de los salvoconductos que significan una huida segura, de nazis arrogantes y de La Marsellesa a lágrima viva, no precisa de más palabras. Sus 102 minutos se bastan para decirlo todo.

Tamaño: 67 x 88 cm.

Precio: 12,90 euros

Fuente: Allposters

Dentro del cine bélico, el subgénero de guerra submarina es quizá el más limitado dada la poca variedad de situaciones, circunstancias y entornos en los que puede desarrollarse la acción. Es el caso de esta película de Jonathan Mostow que, aunque narrada eficazmente, se resiente a causa de seguir arrastrando los tópicos de historias ya vistas anteriormente y por ello siempre previsibles.

La acción se sitúa en plena Segunda Guerra Mundial, en la cumbre de la guerra submarina por el dominio del Atlántico en 1942, momento en que los submarinos alemanes con base en la costa de la Francia ocupada hundían centenares de buques de los aliados, circunstancia que era preciso abortar para asegurar el envío de tropas y material a Gran Bretaña con vistas a la apertura del segundo frente europeo. El submarino S-33 tendrá que camuflarse como alemán para acudir en socorro del U-571, submarino que ha enviado una señal S.O.S., y de ese modo hacerse con la caja de claves llamada “enigma”, el instrumento para cifrar mensajes que utilizan los alemanes y gracias al cual pueden transmitirse la posición concreta de los buques a hundir de forma rápida y sin que los aliados puedan interceptarlo o, en su caso, descifrarlo.

Película de guerra submarina que pretende seguir la senda de El submarino (Das Boot, Wolfgang Petersen, 1981), que mezcla intriga, suspense, escenas de combate naval y de acción a bordo, está bien interpretada (Matthew McConaughey, Bill Paxton, Harvey Keitel –desaprovechadísimo-, el cantane Jon Bon Jovi, David Keith…), es eficaz y resulta vibrante, pero no nos cuenta nada que no hayamos visto ya (baile interrumpido para salir de misión incluido), y por ello se contempla con cierta frialdad y distancia.

Un relato de Stephen King con poco terror sobrenatural pero con muchos fantasmas interiores sirvió a un prometedor Bryan Singer (autor de la tramposa y endeble pero excelente Sospechosos habituales y también, después, de otras cosas no tan grandes) para este efectivo drama psicológico magníficamente interpretado por el gran actor Ian McKellen y el malogrado Bran Renfro. Rodada con mucha solvencia y buen pulso, Singer utiliza adecuadamente los recursos visuales (a través de la paradoja del barrio tranquilo del exterior y el tenso ambiente de confesionario de la casa del anciano) para crear y mantener una tensión que desemboca en una estupenda escena final, y que McKellen, soberbio, contenido, inquietante, y Renfro, inquisitivo y morboso, colaboran en mantener a lo largo de las casi dos horas de metraje.

Todd es un joven que vive en un típico barrio tranquilo de cualquier película americana, anodino, aburrido, donde nunca pasa nada. Sin embargo, descubre por azar que uno de sus vecinos, un entrañable y pacífico anciano, esconde un oscuro pasado relacionado con la Segunda Guerra Mundial, los campos de concentración y las S.S. de Heinrich Himmler. Todd ni piensa en denunciar a su vecino a la policía; en cambio le propone un pacto por el que se asegura un truculento entretenimiento a base de historias de un pasado criminal.

Brillante ejercicio de Singer, una vez más el cine nos muestra lo que puede esconderse tras una fachada de paz, tranquilidad y sosiego, de los turbulentos dramas que encierra la memoria, y mantiene una equidistancia en el estudio psicológico de ambos personajes, por los que el espectador no puede dejar de sentir cierta identificación, por la curiosidad morbosa de Todd, por el sufrimiento del anciano al verse obligado a revivir unas circunstancias terribles mediante el chantaje y la tortura psicológica, y no puede evitar establecer un paralelismo entre ambos, llegando a la conclusión de que no son muy distintos, de que ninguno de ellos es inocente, de que ninguno lo somos.

Grandes directores como Nicholas Ray o Anthony Mann acudieron a Europa para continuar sus carreras cinematográficas cuando los aires de Hollywood poco a poco empezaron a huir de sus estéticas y temáticas habituales hasta la fecha, obligando a muchos cineastas a adaptarse o a permanecer en los márgenes de los circuitos comerciales más exitosos. Mann rodó en 1965 un clásico bélico que, lejos de estar entre lo mejor de su producción, resulta innovador y muy interesante.

Ese interés radica en dos aspectos que en la extraordinaria filmografía sobre la Segunda Guerra Mundial todavía habían sido poco explorados: el frente escandinavo, por un lado, y el fenómeno de la carrera por la bomba atómica desde el lado alemán. La película cuenta la operación de sabotaje que los aliados lanzan en Noruega contra una fábrica alemana en la que se están realizando experimentos con agua pesada indispensables para la investigación sobre la fisión nuclear que permita a Hitler recuperar la iniciativa de la guerra, o incluso ganarla. El mayor noruego Knud (Richard Harris) y el profesor Pedersen (Kirk Douglas) dirigen un comando compuesto por soldados británicos y miembros de la resistencia noruega que intentarán volar por los aires las instalaciones protegidas cuidadosamente por los nazis.

Este Mann “menor”, aunque patina en lo tópico en cuanto al planteamiento del triángulo amoroso, contiene imágenes bellísimas, hermosos paisajes de los fiordos y de explanadas nevadas, y además de buenas escenas de acción con tensión muy conseguida, mantiene durante muchos minutos una intriga espléndidamente narrada.

Un clásico de la Guerra Fría con el que el cine se sumaba a la lucha ideológica frente a los enemigos del presente retratando hazañas contra los enemigos del pasado.

Inauguramos el apartado de entrevistas de este blog de modo inmejorable, con una de las más prometedoras realizadoras y guionistas del actual panorama cinematográfico, como ha quedado probado con su primer trabajo de ficción.

Esta zaragozana, licenciada en Comunicación Audiovisual por la Universidad Autónoma de Barcelona, tras completar su formación en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de Madrid, la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba y el Instituto de Cine de Madrid, y acumular experiencia en la asistencia de cámara en películas como Elsa & Fred, ¿Por qué se frotan las patitas?, Tirant lo Blanc, Isi Disi 2, Trastorno o La máquina de bailar, ha logrado con su primer y extraordinario cortometraje, El talento de las moscas, más de dieciocho premios nacionales y una cuarentena de selecciones nacionales e internacionales para la participación en certámenes diversos, sólo en el año 2007. Además, acaba de ser seleccionado para competir en el 11º Festival de Cine Español de Málaga, que se va a celebrar en la ciudad andaluza entre el 4 y 12 de abril próximos, y en el que, confiamos, obtenga un reconocimiento proporcional a su enorme calidad narrativa y estética.

Agradecemos la generosidad y la buena disposición de Laura Sipán para permitirnos iniciar con ella esta sección.

CINISSIMO: ¿Cómo y cuándo surge tu gusto por el cine, y más en concreto por la escritura y la dirección?

LAURA SIPÁN: Siempre me gustó escribir. Aunque soy una persona de acción, desde bien pequeñita me colaba con una linterna entre las sábanas para poder leer después de que mis padres me hubieran reñido ya varias veces por no dormir. Ahí empezó en realidad mi particular viaje hacia la imaginación, sacarlo luego por la fotografía, la escritura o el cine ha sido más cosa del tiempo.

C: Estudios en Barcelona, Madrid, La Habana… Varios realizadores españoles han acudido a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba. Por ejemplo, Benito Zambrano siempre relata maravillas de su periodo de formación en Cuba, ¿qué tiene esa escuela de diferente con respecto a otros centros de estudios audiovisuales que conoces?

LS: La EICTV es un monasterio de cine, una isla dentro de otra isla, un lugar donde nada más entrar te dan la bienvenida y te dicen: “aquí has venido a soñar, ahora empieza a trabajar duro.” Lo primero que lees al llegar es un cartel enorme sacado del acta fundacional de la Escuela que pone: “Para que el lugar de la Utopía, que por definición está en Ninguna Parte, esté en alguna parte…” Leer el resto de este artículo »

Este extraordinario cortometraje, dirigido por la zaragozana Laura Sipán, a partir de un relato de Óscar Sipán, además de multipremiado y reconocido, es sobre todo un hermoso trabajo que deja al espectador boquiabierto al primer visionado, perplejo, noqueado, vencido por su profunda sensibilidad, cautivado por su sencillez, su sutilidad, por su economía narrativa y su, no obstante, profundidad y riqueza de temas, perspectivas, propuestas, que van desde la guerra, el exilio y la derrota, al amor, las dudas y la dificultad ante la toma de decisiones, y que seduce desde el mágico primer instante en que asistimos atónitos a la caída libre en paracaídas de Antoine de St. Exupéry en el jardín de Sofía. Especial mención a la voz en off narrativa de la gran actriz española Mercedes Sampietro.

Absolutamente recomendable este fenomenal trabajo que acaba de ser seleccionado para el 11º Festival de cine español de Málaga, que se celebrará entre el 4 y 12 de abril próximos.

Palmarés de El talento de las moscas

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Mientras un director teatral judío (Heinz Bennent) se esconde de los nazis que ocupan Francia en el sótano de un teatro, su esposa Marion (Catherine Deneuve), dirige el montaje de una obra del exitoso Bernard Granger (Gerard Depardieu). El genial Truffaut realiza este segundo capítulo de su trilogía de homenaje al espectáculo (tras La noche americana, dedicada al mundo del cine, trilogía de la que ya no rodaría su conclusión), tomándose algunas licencias narrativas con respecto a los hechos históricos que inspiran la película, pero realizando un retrato fiel y tierno de la vida en la Francia ocupada.

La puesta en escena es soberbia, cuidando cada detalle de vestuario, decoración o indumentaria, y la mayor virtud del guión estriba en el sentido de conjunto narrativo que se extrae de la mezcla entre la historia de los personajes, la trama de la obra que representan, y el juego del teatro dentro del cine.

Último gran éxito de Truffaut, supuso el gran colofón a su rica carrera cinematográfica, malograda con su prematura muerte. Aunque dirigió posteriormente otras dos cintas, El último metro queda en la retina de los cinéfilos como el último gran testimonio de la maestría de Truffaut, de su amor por su profesión, amor que parece manifestar mediante la ternura, el humor y la emoción de la que hace gala en esta agradable y sensible película. Esta película, la historia de unos personajes que viven en un mundo de dificultades y que, pese a todo, logran seguir adelante, vivir, reír, es todo un reconstituyente para el optimismo y la alegría de vivir.