Aaron Sorkin, guionista, productor, dramaturgo y escenógrafo estadounidense es uno de los personajes más controvertidos del Hollywood actual, capaz de dar vida a excelentes proyectos y de escribir estupendas obras de teatro o de autodestruirse en una fiebre creativa que casi le cuesta la vida por culpa del consumo de todo tipo de productos adictivos. Estudiante de teatro, sus sueños de actor se disiparon muy pronto, y hoy se limita a aparecer de vez en cuando como extra, casi siempre interpretando a algún camarero, profesión que desempeñó realmente. Casi por casualidad, logró escribir y que se estrenaran en Broadway sus primeras obras, Removing all doubt (1984), Hidden in this picture (1988), y sobre todo Making movies (1990), que le abrió las puertas de la televisión y el cine, para el que en 1992 escribió el guión de Algunos hombres buenos, dirigida por Rob Reiner, inspirándose en un caso que le contó su hermana, abogada de la marina estadounidense y colaboró, sin acreditación en los créditos, en títulos como La lista de Schindler (Steven Spielberg, 1993) o La roca (Michael Bay, 1996).

De retazos del guión de El presidente y Miss Wade (1995), por el que empezó a dejarse llevar por sus crisis creativas permaneciendo encerrado en una habitación de hotel más de un año, manteniéndose despierto y activo gracias al consumo de diversas sustancias, surgió la célebre serie de televisión El ala oeste de la Casa Blanca, con Martin Sheen como protagonista. Sin embargo, su siguiente serie, Sports Night, se canceló tras dos temporadas de emisión y sin terminar de despegar en audiencia. La presión le puede una vez más, y paralizada por la ansiedad la escritura de guiones para la televisión, escribe Enemigo público (Tony Scott, 1998) pero su cuesta abajo es irremediable y años más tarde es detenido por posesión de drogas, entre ellas cocaína, marihuana y algunas otras sustancias químicas.

Sorkin, actualmente rehabilitado (o al menos eso dice, no sería la primera recaída), sigue volcado en su faceta de dramaturgo para Broadway y Londres, y al guión de la reciente La guerra de Charlie Wilson (Mike Nichols, 2007) sumará en breve varios trabajos para la productora Dreamworks, el primero de los cuales será dirigido por Steven Spielberg.

Nueva York, 1936. Mientras en Europa se larva la peor conflagración bélica de la Historia con su prólogo en la guerra civil española, los Estados Unidos más comprometidos con la causa de la libertad en el mundo hasta la fecha, los de los años 30, intentan imponer a sus gobernantes y al statu quo económico, que hasta entonces contemporiza con el fascismo italiano y el nazismo alemán y les suministra material bélico y productos manufacturados y que admira a Hitler por constituirse en baluarte anticomunista, la misión de la defensa de la libertad contra el totalitarismo como guía en su política internacional. La ciudad es un convulso mosaico en el que personajes de toda índole deambulan en un clima político cada vez más efervescente: obreros manifestantes en demanda de trabajo y pan en plena crisis post-depresión, actores en paro, vagabundos sin un medio de vida, millonarios inconscientes, buitres de Wall Street, pintores geniales, obreros que buscan trabajo, autores teatrales en busca de inspiración… Uno de ellos, Marc Blitzstein (interpretado por Hank Azaria –en el centro de la foto-, doblador habitual de la serie de dibujos animados The Simpsons), autor de comedias judío y comunista, viudo reciente (inspirado por las espectrales apariciones de su esposa fallecida y del dramaturgo Bertold Brecht) e imbuido del clima reivindicativo, idea un musical, Cradle will rock, en el que el protagonista es un líder obrero que se enfrenta a la tiranía del poder capitalista establecido, y que, gracias al Programa de Teatro Federal establecido por el gobierno Roosevelt para, por un lado conseguir emplear a una parte sustancial de los actores, directores teatrales, escritores, técnicos, expertos en los más diversos oficios, coreógrafos, bailarines, etc., desempleados por culpa de la Gran Depresión, y por otro, de proporcionar diversiones a un público castigado por la situación económica. Sin embargo, y a pesar de contar con profesionales como el joven director teatral Orson Welles (interpretado muy solventemente por Angus Macfadyen –derecha de la foto superior-), la tendencia combativa y reivindicativa de un argumento en el que, en plena fiebre anticomunista, los obreros son retratados como personajes positivos y los capitalistas como los “malos”, hace que los poderes fácticos, encarnados en William Randolph Hearst (en un antecedente directo a su posterior enfrentamiento con Welles a raíz de Ciudadano Kane) y Nelson Rockefeller (John Cusack) impidan por todos los medios el estreno de una obra subversiva, aunque no podrán conseguir que se estrene igualmente en un final apoteósico con uno de los planos finales más memorables del cine de las últimas décadas. La película, basada en un historia real, es una alegoría de la unión entre artistas y obreros en beneficio de la libertad de expresión y contra el pensamiento único.

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El gran actor catalán Josep Maria Pou interpreta a Orson Welles en el montaje teatral Su seguro servidor, representado en el Teatro Romea de Barcelona desde el 30 de junio al 27 de julio y dentro de la programación del Festival Grec de teatro. La obra no sitúa al gran actor, director, productor y guionista de Wisconsin en su momento de éxito profesional, joven y lozano como en la foto superior, sino ya con 70 años cumplidos, decadente, decrépito e intentando financiarse un nuevo proyecto, una nueva versión del Quijote (eterno proyecto de Welles nunca completado) trabajando como voz de cuñas publicitarias de dentífricos, comida para perros o incluso laxantes, mientras espera anhelante una llamada de Steven Spielberg para participar en su próxima película.

El título de la obra proviene de la despedida habitual de Welles en las intervenciones radiofónicas (Obediently yours), que el dramaturgo francés afincado en Norteamérica Richard France tomó a partir de una serie de tomas falsas de los trabajos de Welles como idea inicial para escribir la pieza. La adaptación del original corre a cargo del director de cine Esteve Rimbau, que dirige teatro por primera vez, como él mismo ha dicho, “como dirigir una película en la que no hay montaje”.

Para Pou, el personaje de Orson Welles, el hombre que como él mismo dijo, empezó en la cumbre y desde entonces no hizo más que caer, pertenece al club de los “grandes perdedores”. A la vista de su genio y de lo poco que le permitieron plasmarlo en imágenes, quizá Welles haya sido la víctima más importante (y más injusta) del sistema de estudios norteamericano del Hollywood clásico. Ahora, esta obra de teatro repasa desde sus últimos meses los aspectos principales de su vida y obra, sus grandes éxitos y fracasos.

Fuente: El confidencial

Como muchos otros actores ingleses, Alan Rickman posee una formación teatral envidiable (además es director de la Royal Academy of Dramatic Art) y está especializado en el repertorio de Shakespeare, aunque la mayor parte del público lo conozca sólo por ser uno de los habituales en la saga Harry Potter. De origen muy humilde y siendo muy discreto en su vida personal (lleva viviendo treinta años con la misma mujer, sin estar casados), su currículum profesional es heterogéneo, largo y de calidad contrastada, salpicando sus interpretaciones en el teatro con cine de autor y con películas comerciales.

Tras dos décadas en el teatro, debutó en el cine con La jungla de cristal (1989), de John McTiernan, en lo que fue su desembarco en el cine más popular, senda continuada después con cintas como Harry Potter, Robin Hood (como sheriff de Nottingham, papel que le valió un premio BAFTA), con varias comedias ligeras (Héroes fuera de órbita, Love Actually, Éxito por los pelos), todo ello combinado con la interpretación en cine más personal, como en Sentido y sensibilidad (Ang Lee, 1995), Ciudadano Bob Roberts (Tim Robbins, 1992), Michael Collins (Neil Jordan, 1996), Dogma (Kevin Smith, 1999), El perfume (Tom Tykwer,2006) o Sweeny Todd (Tim Burton, 2008). Además, en 1997 dirigió y protagonizó su único proyecto tras la cámara, El invitado de invierno.

Rickman posee un gran dominio de la escena, maneja a la perfección los recursos de su voz (mejor ver sus películas en versión original, el doblaje resta credibilidad y perfección a sus creaciones) y posee un físico y un carisma que lo convierten en un actor apto para una gran diversidad de papeles, encontrándose en su salsa en terrenos como la ironía, el sarcasmo o incluso la amargura más despiadada.

Este estupendo actor catalán quizá sea el mayor y mejor exponente de la calidad interpretativa de la profesión en el ámbito español. Eduard Fernández combina trabajos en teatro, cine y televisión, manteniendo siempre alto el listón del nivel de calidad. Su naturalidad y sencillez expresiva, la riqueza de matices que incorpora a sus personajes, el gesto duro o la mirada gélida o divertida, penetrante o cálida, según el caso, sin duda le confieren una amplia gama de registros en los que cabe el drama, el thriller o la comedia. Descubierto para el cine por Mariano Barroso, su papel en el estupendo thriller Los lobos de Washington apuntaba ya su gran versatilidad como actor.Tras trabajar con Gonzalo Suárez (El portero) y Emilio Martínez Lázaro (La voz de su amo, donde interpreta a un atormentado guardaespaldas), su consagración vino de la mano de La fura dels baus y la magnífica Fausto 5.0, por la que recibió un Goya a su interpretación de un estrafalario Mefistófeles. Posteriormente ha trabajado con Vicente Aranda (Son de mar), Mario Camus (La playa de los galgos), y con Roger Gual y Julio Wallovitz en la estupenda Smoking room, donde da vida a un empleado que buscaba apoyos para que su empresa habilitara una sala para el cigarrito del descanso laboral. El misterio Galíndez, de Gerardo Herrero, o la estupenda En la ciudad, de Cesc Gay dan nuevas muestras de su capacidad para interiorizar personajes de muy distinto signo y darles vida con total naturalidad y frescura.

En Cosas que hacen que la vida valga la pena, de Manuel Gómez Pereira, se metió de lleno en la comedia y salvaba con su personaje una película que hubiera sido mediocre, y en Hormigas en la boca volvía al thriller de nuevo a las órdenes de Barroso. En Obaba, de Montxo Armendáriz ofrecía un papel dramático magistral, y en El método, de Marcelo Piñeyro daba un verdadero recital. Eduard Fernández también forma parte del amplio y variopinto elenco de la épica Alatriste, de Agustín Díaz Yanes. Ficción, de nuevo con Cesc Gay, y 3 días, que acaba de ganar en el Festival de Málaga, son sus últimas apariciones en la pantalla.

Sin duda, un actor que se está forjando una carrera plena de aciertos gracias a la que para los directores y productores contar con él en un proyecto se ha convertido en un seguro de calidad y para el espectador en un motivo de visionado de cualquier trabajo en el que participe.